時間：2022-06-19 12:36:09
開篇：寫作不僅是一種記錄，更是一種創造，它讓我們能夠捕捉那些稍縱即逝的靈感，將它們永久地定格在紙上。下面是小編精心整理的12篇音樂藝術論文，希望這些內容能成為您創作過程中的良師益友，陪伴您不斷探索和進步。
民族藝術作為一個對社會文化活動的總的概念，在其發展傳承的過程中衍生出的內容是豐富多樣的，其藝術形式，文化活動的種類也是數量極多的。下面主要介紹了我國民族音樂藝術中的幾個規模較大，最為常見的音樂種類。
（一）民族聲樂藝術。民族聲樂藝術是我國民族藝術中發展時間較長，發展水平也較高的一個藝術種類。民族聲樂藝術的發展可以說是人類社會勞動過程中產生的一個民間藝術，從最原始的單純演唱到后來逐漸發展成為將歌、舞、樂三者交融結合在一起的一門藝術，如今已經成為一門規模較大，形式花樣繁多的獨立藝術種類。其發展的過程是曲折的，而其發展的水平是上升的。
（二）傳統音樂流派。中國民族音樂藝術中的傳統音樂流派是真正流程下來的中國傳統音樂文化的，其對于中國傳統音樂文化的繼承是最為全面的，傳統音樂流派是中國幾千年來流傳下來的音樂文化的濃縮精華，它真正體現出了中國幾千年來的音樂文化發展的進程，吸收了幾千年來中國歷史社會，人文環境的思想與文化，將音樂的發展與社會進程結合到了一處。傳統音樂流派注重的是對傳統音樂文化的繼承，而且其音樂風格也是受傳統音樂文化的一脈相承。
（三）現代音樂流派。中國的民族音樂藝術的發展在近代社會中的表現形式就是現代音樂的興起，現代音樂流派的興起可以追溯到十九世紀末，二十世紀初，傳統的民族音樂在近代社會中受到社會環境，政治環境，文化環境等多方面的影響，在這一時期又有外國的音樂文化傳入中國的境內，受到多方面原因的綜合影響，現代音樂流派興起。開創了傳統音樂藝術在中國近代史上的一大創新。
（四）其他音樂藝術種類。除去以上的幾個民族音樂藝術中的主要種類外，我國的民族音樂藝術還包含有其他眾多的類型與內容，如民族樂器演奏，民族風格舞曲藝術等，由此可以看出，我國的民族音樂藝術的種類是多種多樣的，內容是博大精深的，而且其發展的歷程是時間久遠的。民族音樂藝術的發展既是社會歷史進程的時代產物，也是人類對于社會發展的一種精神上的寄托物，其發展壯大的過程，也是人類社會文化進程的縮影。
二、民族音樂藝術發展面臨的現狀
（一）民族音樂藝術面臨失傳危機，無人繼承。我國當下民族音樂的發展過程中面臨的問題就是后繼無人的問題，因為民族音樂的傳統性，與當代的潮流文化背景并不是十分相配，因此許多現代化思想的青年對于民族藝術的態度就是漠不關心，甚至厭惡拒絕，更別說去學習以至于傳承了，這就導致民族音樂藝術的發展出現了無人繼承的現狀。
（二）民族音樂藝術與現代的音樂文化不相適應，得不到重視。因為民族音樂藝術發展的歷史久遠性，其內容絕大多是前人流傳下來的，歷史較為久遠的傳統文藝，因而其與當下發達的、先進的社會文化環境并不是十分配套，因而也就得不到追求主流，輕視傳統的現代人的重視。
三、如何促進民族音樂藝術的發展
（一）提升對民族音樂藝術的宣傳力度，加大現代人的重視程度。針對傳統民族音樂文藝面臨后繼無人的現狀，我們應該加強對民族音樂藝術的宣傳力度，提高大眾對其知名度。進而吸引更多的人來學習。
一、將對音樂無限的熱愛思想傳達給學生，使學生得到心靈的感染
每一個音樂教師無論在音樂事業上有沒有偉大的成果，在每一個從事音樂教學的教師的心里也是無比熱愛音樂的。在新時代的音樂課堂中，更需要音樂教師擁有不一樣的教學思維，將與時俱進的先進思想傳遞給每一個中學生，學生傳統的思維模式得到沖擊和突破，不但對引發學生的創新思想有所幫助，而且也充分利用了有效的資源。學生因為教師不一樣的教學思維會發現音樂學習的樂趣，進而努力克服在學習中遇到的困難，使音樂成為學生日常生活中不可缺少的部分，讓學生也同音樂教師一樣，真真切切地喜歡上音樂，而不是僅僅為了上完這一門課程，也不是為了應付新型的教學模式。一個具有高素質的教師是要對自己教授的課程充滿激情的。如果教師首先具備了這種素質，課堂就可以做到充滿藝術的情感。試想一下，音樂是通往人類心靈的有效途徑，如果教師將學生的心靈情感打開了，那課堂自然而然就能發揮巨大的作用效果。教師在講課的過程中，嚴謹治學的態度是很重要的，不能讓學生以一種吊兒郎當的態度對待音樂課，這也當然不是說必須讓學生一板一眼地聽課，而是教師需要具備聚精會神和滿腔熱情的講課態度。如果教師可以將自己這種對音樂的高漲情緒傳遞給學生，就可以在很大程度上帶動學生的學習情緒，讓每一位中學生認識到音樂教學中教師的熱情，感受到熱情教學的氣氛。教師對音樂教學的熱情，對學生的熱情，會毫無保留地貢獻自己的精力、才能與知識，以便在對自己學生的教學和教育上，有新的突破和發展，在學生的精神成長歷程上取得更好的促進效果。因此，將教師對音樂的熱情思想和對學生教學的熱情表達出來，傳達給學生，讓學生的心靈得到感染和熏陶是構建藝術教學的重要方針之一。
二、根據學生的具體情況選擇最合理的教學方法，實行區別教學
目前，從中學生的音樂水平來看，每一個學生的水平是不一樣的。這表現在部分學生由于家長的期望比較高，從小讓孩子接觸樂器的學習。比如，鋼琴、古箏、二胡的學習等，這是音樂教師在面對不同學生水平下比較常見的教學問題。學過鋼琴等樂器的孩子，肯定在音節音律等多方面比一般沒接觸的學生學習速度要快得多，這時候就需要教師采取合理的形式，可以實行區別教學的方法。根據相關的調查分析得出，平均每一個班級都有兩個或三個懂音律的學生。對學生進行區別教學是教學過程中的一個不容小視的教學方法。有些班級在上音樂課前的五分鐘內，個別出色的學生干部就能對教師要教授的歌曲唱給班級學生聽，并帶領學生一起學習和合唱。教師可以將這些學習能力比較強，有一定音樂基礎的學生分配到每一個小組中去，讓簡單的教學轉變成有合理搭配的教學，讓個別學生帶動其他學生一起學習。在北師大的音樂教材中，對于簡譜的認識一節教師可以采用讓學生來試講的形式，最后由教師來補充或者改正學生講解時出現的一些問題，這樣不僅可以讓學生們之間的疑惑和不解可以大膽地講出來，也可以有力地促進學生的學習效率。音樂藝術教學需要教師組織合理的教學情形，發現和挖掘最適合的教學方法，教師可以根據本地的音樂教材和地方特色，用聽、說、唱、賞析的方式全面了解教材，掌握教材，做到教材和講解的高度適應性的統一。
音樂課程在初中生心理方面的實踐研究也是非常重要的。音樂課程的藝術教學不僅需要教師擁有特色的教學方式來使學生的學習能力得到一定的鍛煉，而且需要讓學生的身體和心理得到充足的緩解和放松。由于中學生正是處在身體和生理急劇變化的時期，所以音樂教學對學生的心理發展是非常有幫助的。比如，歐美音樂可以讓心情變得歡快；非洲音樂可以讓心情變得豪放；民歌可以讓心情變得舒暢；不同的音樂具有不同的風格。教師可以利用教材上的有利資源，讓學生從課堂上不但學習到音樂方面的知識，而且得到文化的感染和藝術的熏陶，進而實現教師藝術教學的最終目標。
作者：李麗芳單位：江西省革命老區會昌珠蘭示范學校初中部
一、主要樂器與情感表達
春秋時期的主要樂器有鐘、鼓、笙、謦、琴、瑟、籥（笛子）等。在這些樂器中，最常用的是鐘鼓，在詩經中涉及樂器的十一首詩中，十首提到了鐘鼓，《詩經》中有一首《鼓鐘》，描寫了七種樂器。節選如下：鼓鐘將將，淮水湯湯，憂心且傷。
鼓鐘喈喈，淮水湝湝，憂心且悲。此詩是描寫樂器種類最多的一首。內容是思念古代賢德的君子，感嘆他們曾經美好的德行已經失去，基調是憂郁悲傷的。在使用樂器方面，詩中描繪到的樂器有鐘、鼓、笙、謦、琴、瑟、籥（笛子）。《鼓鐘》描寫了這樣一幅畫面：君子立于淮水之畔，演奏樂，敲打鐘聲鏘鏘作響。這種音樂與君子的德行不相匹配，所以賢者為之憂心，為之悲傷。《毛詩序》直言此樂是樂，但是沒有說明何為樂。漢末王基解釋說：“所謂樂者，謂鄭、衛桑間濮上之音，師延所作新聲之屬。”三國時魏王肅解釋說：“凡作樂而非所，則謂之。，過也。幽王既用樂不與德比，又鼓之于淮上，所謂過也。桑間濮上，亡國之音，非徒過而已。”這種解釋強調了《詩經》的諷刺功能，與原意有所歪曲。其實，詩歌只是抒發了一種憂傷的、焦慮的情感。
詩歌的最后一節描寫的是雅樂，就是配合很好的樂曲。“鼓琴鼓瑟，笙謦同音”，是指堂上堂下八音克協，配合協調。詩歌中只提到了琴、瑟、笙、謦配合協調，鄭玄注解說是“八音克協”。筆者以為鄭玄注解很有道理。理由有二：一是關于“八音克協”出現在《尚書》之中，說明“八音”出現的年代相當早，春秋時代的樂器至少不少于《尚書》中的“八音”。關于“八音”所指，《周禮•春官•太師》注解說是：“金、石、土、革、絲、木、匏、竹。”詩中只出現了鍾、琴、笙、磬四種樂器，分別指金、石、絲、匏這四種樂器，根據詩歌語言簡練的特征，以這四種樂器代指“八音”也合情理。
在祭祀重要物品的時候，或者招待嘉賓的時候，往往鐘鼓齊鳴奏樂。看來鐘鼓之樂是隆重的形式。
《詩經•彤弓》用復沓的形式，分別用“中心貺之”、“中心喜之”、“中心好之”，表達了對“彤弓”的重視、對“嘉賓”的友好、喜愛、尊敬之情：
彤弓弨兮，受言藏之。我有嘉賓，中心貺之。
鐘鼓既設，一朝饗之。
彤弓，就是紅色的弓，周王所賜。因此，“我”非常重視它，當嘉賓帶著彤弓賜給“我”時，“我”非常高興，畢恭畢敬地把彤弓“藏之”、“載之”、“櫜之”，然后設宴奏樂，款待使者。詩歌用彤弓來起興，連續三段重復使用“鐘鼓既設”，烘托了一種莊嚴盛大的氣氛，強化了情感的抒發。
在《詩經•執競》中，還出現了“筦”，其中說：“鐘鼓喤喤，磬筦將將，降福穰穰。”還有《詩經•有瞽》出現了八種不同的樂器：有瞽有瞽，在周之庭。設業設虡，崇牙樹羽。
應田縣鼓，鞉磬柷圉。既備乃奏，簫管備舉。喤喤厥聲，肅雍和鳴，先祖是聽。詩中包含兩種管樂器：簫、管；六種打擊樂器：田，大鼓；縣鼓，懸掛的鼓；鞉，古同“鼗”，搖柄鼓，俗稱撥浪鼓；磬，石制打擊樂器；柷，木制如方匣的打擊樂器；圉，樂器名。可見，在春秋時期，樂器的種類已經比較豐富，有管樂器、弦樂器、打擊樂器，其中以打擊樂器種類最為豐富。
二、音樂的表現形式
音樂的演奏最講究配合，《詩經》中凡是演奏樂器都體現了樂器的配合。最為明顯的就是鐘鼓的配合和琴瑟的配合。體現鐘鼓的配合的詩歌有：窈窕淑女，鐘鼓樂之。鐘鼓既設，一朝饗之。體現琴瑟的配合的詩歌有：琴瑟擊鼓，以御田祖。妻子好合，如鼓瑟琴。
詩中在形容夫妻關系好的時候，往往用琴瑟合奏來比喻，或用于描寫君子追求淑女，說明當時琴瑟經常用來配合演奏，多反映夫妻或戀人之間的相親相愛的情感。
大型樂舞需要多種樂器的配合，主要體現在《鼓鐘》《執競》這兩首詩中。在《鼓鐘》這首詩中，最后一章體現了“八音克協”的演奏境界，也是“禮”的最高境界。《執競》描寫祭祀周宗廟的情形。雖然只有五十六字，卻勾勒了整個祭祀的過程：祭拜、奏樂、宴享。
奏樂也出現了四種樂器：鐘、鼓、笙、管，描寫了鼓樂演奏的盛大場面。在不同的情境下，音樂的風格也是不同的，表現戀情的音樂是舒緩的；配合祭祀的音樂是莊嚴、肅穆、平和的。當時詩樂舞是一體的，《詩經•邶風•簡兮》就描繪了一場盛大的樂舞。舞者手中所持之物有“轡”———韁繩；“籥”———笛子；“翟”———野雞尾，在演出精彩的時候，還有王公的賞賜，賜爵———賜酒。當時還有唱和之風，《萚兮》云：萚兮萚兮，風其吹女。叔兮伯兮，倡予和女。
一、努力引導學生愛專業、學專業
音樂藝術院校有著和其他綜合類大學不同的發展目標和特色，它注重培養專業人才和專業技能。而隨著招生規模的不斷擴大，逐漸出現了大量非科班出身學生入學的現象。由于接觸音樂時間短，導致他們即使就讀了音樂藝術院校，也很難具備一個音樂學習者應該具備的專業能力和職業素養。對待這樣的學生，首先，輔導員要進行積極的引導和鼓勵，盡量讓他們喜歡音樂，從事音樂。因為音樂藝術院校能提供的教學資源大多都在音樂的范疇之內，所以，如果學生厭倦與音樂有關的專業，轉而進行跨學科學習，那學習的難度就非常大了。其次，輔導員還要指導學生如何學專業。在學生的學習過程中，輔導員對學生學習習慣和學習方法上都能起到積極且不可或缺的促進作用。而如果學生在學習方法上遇到瓶頸，輔導員也可以組建“傳幫帶小組”，讓已經解決問題的同學幫助還存在問題的同學。
二、引導學生具備良好的職業素質
在競爭激烈的社會大背景下，學生就業問題一直是困擾高校發展的重大問題之一，尤其是在專業性較強的藝術院校，這種問題更是尤為突出。所以，如何能夠使學生在短短的四年學習生活中能夠具備良好的職業素質和正確的就業觀念就顯得尤為的重要。而在這一點上，輔導員可以發揮其“密切學生”的優勢，為他們做必要且積極的引導。首先，在藝術院校中，能否使學生具備良好職業素養的關鍵就在于，是否能夠使學生掌握一技之長。在有關藝術的俗語中流傳著這樣一句話：“藝多不養家。”“藝多不養家”主要是指有的學生學的技藝多了，卻沒有一個是“看家本領”，必定不能有所成就。究其原因：這些學生過分注重均衡發展，身上缺少核心競爭力，所以導致在激烈的社會競爭中，沒有一個非常突出的亮點可以施展，而“藝多”也很有可能致使這部分學生對自身定位產生偏離，門門學科看著都還可以，慢慢地模糊了自己的職業定位方向。所以，學生在全面發展的同時也應該注重一門專業主項的學習。其次，專業的就業指導分析和清晰的職業規劃設計也會對學生的就業起到極其重要的作用。具體措施有：一是對就業、考研、出國深造成功的學生案例進行細致分析，總結出其發展路徑，并在學生遇到就業難題的時候，以案例分析為材料，展開答疑解惑。二是，開展各種就業、考研、出國深造的知識講座，講座中可以邀請教務部門、就業指導部門的教師以及優秀畢業生，從更加多元的角度引導學生明確就業方向、找準職業定位。
三、結語
音樂藝術院校輔導員工作的特殊性，決定了其不但要承擔高校學生學習和生活的服務性工作，更重要的是，要依據學生學科專業性強的特征，為學生今后的發展做細致耐心的引導工作。筆者作為一名音樂藝術院校的輔導員，在這一點上深有感觸，可以說，學生在校一天，輔導員的引導工作就要開展一天。只有切身的為學生著想，心系學生，才能使輔導員的引導作用在學生中間發揮最大的功效。
作者：卞莉單位：西安音樂學院
音樂之所以不需要任何媒介直接影響聽眾的情感，主要依靠的是表情藝術的表現性的抒情性。而且表情藝術也不是一成不變的，需要不斷地進行一度創作和二度創作，這樣的表演才是最具有審美價值的完整表演。所以，聲樂學習者不僅需要鍛煉自身的聽覺能力，還需要在尊重原創的基礎上對其進行二度創作來增強聲樂作品的表現力，使聲樂作品更加充實、完美。要想更完整地表達聲樂作品中所要表達的情緒，表演者需要做好熟悉作品的案頭工作，還需要依靠聽覺記憶才能領悟其特點。由于聲樂教學主要依靠聽覺，屬于抽象的感覺教學，所以不管是作為教育者還是作為學習者都要學會聆聽，反復多次的聆聽后才能對聲樂作品進行評價。而且聲樂教師要對學生的聽覺訓練有足夠的重視。由于人的聲音具有獨特性，聲樂教師需要依靠聆聽來辨別每個學生最自然、最本質的聲音，比較后進行點評和指導，同時還要培養學生的聽覺能力，讓學生自己能夠判斷聲樂發聲的優劣，以更好的提高學生的學習能力和鑒賞能力。
二、在歌唱表演中展現音樂美學中的“美”
不同的歌曲會有不一樣的感受帶給聽眾，不同的歌曲中也存在著不一樣的美。有的歌曲旋律激昂、節奏富有動感，給人以活力；有的歌曲節奏舒緩或帶有傷感，給人以溫情或寂寞；有的歌曲充滿正能量，讓人積極向上。所以，聲樂學習者在學習歌曲時，對音樂美學的學習是很有必要的，對于歌曲的不同美的定義可以通過音樂美學的學習進行了解。歌唱者對歌曲的不同美的定義了解了之后，能夠對作曲家在創作時的本意予以很好的了解，在表演時才能有很好的表現。在音樂學習時要對聲音的技巧、歌曲的處理予以掌握，同時在自身作品中融入其他相關學科的知識也要學會，更好地體現出音樂美中的優美、壯美、喜劇美、悲劇美、崇高美等等。
三、在聲樂教學中要運用好音樂鑒賞能力
不同歌唱家對音樂作品的感受是不同的，在演繹相同的歌曲時每位歌唱家都會根據自身的情況做相應的改變，以致產生了有不同的效果。這就要求學習者在平時對音樂鑒賞能力的培養要予以重視。首先要對各種不同類型風格的作品要多多聆聽。各類復雜的聲樂作品是聲樂學習者要不斷接觸學習的，在不斷聆聽各種音樂作品時要做好筆記，做好音樂作品的分析，對其中的音樂處理予以掌握，培養好內心聽覺。其次要運用內心聽覺來熟悉、分析音樂。對于一部聲樂作品，歌唱者要先在腦海里呈現出作品的整體表現效果，再進行演唱。歌唱者對一部聲樂作品要先在頭腦中慢慢形成穩定、精細的聲音，然后形成內心聽覺。在看譜分析研究作品時，就要運用內心聽覺，心中形成作品的旋律，在頭腦中演繹出作品真實演唱的情景。最后是運用不同的處理方式來處理不同類型的作品。要了解作品的時代背景、創作意圖、思想情感。不同的歌者演唱同一首作品時，出來的效果各不相同，因為歌者投入了自己的情感，這就要培養歌者個人的文化修養和生活底蘊。不同的音色會給作品以不同的味道，歌唱時要尊重原詞的意境，吐字清晰連貫，聲音平衡流暢。
四、有關歌唱技巧訓練的一些建議
大部分初學者都不太注意自己的聲音，缺乏個人的聲樂審美觀，使學生的內心聽覺和聲樂的學習發展受到影響。教師要在學習之初就樹立學生正確的聲音概念。
1、對同一聲部歌唱家演唱的曲目進行模仿。學生在沒有掌握扎實的聲音技巧的時候，不要貪圖高音和技巧的表現，這會傷害自己的聲帶和信心。這時要征求教師的意見，選擇適合自己的曲目。經過一段時間的學習之后，再根據教師給自己定位的聲部，選擇同一聲部歌唱家演唱的曲目來聽、模仿，要以培養自身的歌唱聽覺為目的，認識自己的聲部特點。
2、對于學習階段要正確認識。初學者會有不自然階段，出現聲音不統一的問題，這就要通過訓練使學生學會用身體的各個器官來歌唱，做到外松內緊，學習新的聲樂技巧或到一定階段時，要用特殊的方式來訓練歌唱肌肉。
一、電影畫面之內音樂和電影畫面
以外音樂的完美結合在這部電影中充分利用了畫內音和畫外音的表現技巧。由于在電影中出現了較多的鋼琴演奏的場面，所以畫內音技巧使用得比較多。在電影中的某些片段和環節中，導演巧妙地將畫外音和畫內音結合在了一起，并且結合得非常自然，以表現影片中人物的內心情感。比如在影片中響起第五次主旋律的過程中，從畫外音到畫內音樂的自然過渡，然后又從畫內音樂轉向畫外音樂，通過各種表現形式表達了當時影片中人物的內心的情感。她的鄰居答應帶著愛坍去找鋼琴，愛坍跑到海邊忘情地彈奏著并和鋼琴融合在了一起。在這過程中，音樂又以畫外音的形式來表現愛坍對于鋼琴的日日夜夜的思念。在愛坍演奏完鋼琴之后，電影所聚焦的畫面發生了轉移，在演奏的過程中，鋼琴的周圍還擺放了很多的東西，這個時候又出現了畫外音，畫外音再一次生動表現了愛坍和其鄰居當時的心理狀態。
二、鋼琴音樂核心地位和獨特功用
在影片中畫內音也就是片中主人公所演奏的音樂大約占到了總的音樂數量的60%。鋼琴音樂在整個影片中占據著核心的地位。通過音樂，愛坍和其融為了一體，充分地展現了愛坍的內心世界。該影片最為主要的特點就是當中運用了大量的音樂手段來展現劇中主人公的內心世界。電影藝術原本注重的就是媒體展現的具體性。但是音樂卻使得這部影片的具體性消失殆盡，所以只能夠將其作為影片中的抽象作品，在展現人物內心世界的過程的方式具有一定的抽象性。鋼琴并不能表現一段具體的實際的思想，將音樂放到某個獨立的環境或者是環節來進行展現就具有了說服力。從主人公的眼神可以想到愛坍想說什么，從音樂方面進行展現就更加能夠表現出愛坍內心復雜的內心世界。在影片當中，很多情況下鋼琴都是其發泄情感的對象，所以在很大程度上琴聲就是愛坍內心世界的展現。鋼琴不僅僅是愛坍的情感寄托，也是她和鄰居之間愛情的紐帶。愛坍的丈夫不理解愛坍，尤其是不能夠理解愛坍失去鋼琴的時候所表現出來的異樣的情感。但是愛坍的鄰居和其丈夫不同，他了解愛坍的內心世界，了解鋼琴在愛坍心目中的地位，他愿意將鋼琴買回來打動愛坍。在愛坍為其鄰居上鋼琴課的過程中，愛坍也從開始的厭惡逐漸轉化成了對于其鄰居的好感，在這種情感轉換的過程中，鋼琴起到了重要的媒介作用。當其鄰居對于愛坍提出其不能夠接受的要求的時候，愛坍也通過鋼琴表現了自己的憤怒以及無奈。
三、影片場景音樂里面的音樂和電影畫面的同步
在《鋼琴別戀》這部影片中，除了主題音樂的使用，還恰當地使用了一些場景音樂來表現人物的內心世界，在影片中音樂和影片同步來展現人物的情感與情節的表現，能夠很好地烘托氣氛，展現影片中人物的內心世界和情感，有效地塑造了人物的形象。在愛坍的丈夫將其和女兒接回自己的家之后，影片通過歡快的音樂來表現愛坍的內心對于自己未來生活的憧憬和向往。在其鄰居為其買回鋼琴的時候同樣使用了這種歡快的音樂來表現愛坍的內心世界，但是在這個時候僅僅表現的是愛坍得到自己心愛鋼琴的興奮之情。當愛坍的女兒出現的時候就會出現兒歌，這個兒歌是小女孩演唱的。所以在愛坍的影響下女兒從小也對音樂非常喜愛，并且性格非常活潑好動。通過兒歌的形式更加展現了孩子的純潔可愛。孩子是父母快樂的根源，但是同樣也給父母帶來了很多的負擔。在愛坍將自己的信讓自己的女兒送給其鄰居的時候，由于孩子的天真無邪，將信誤交給了自己的丈夫。所以在這部影片中充分展現了小女孩的天真純潔。在影片的結尾部分，當愛坍尋得了自己的幸福并且和自己心愛的人想要離開的時候，愛坍下定決心將這架給自己帶來苦難的鋼琴沉到大海中，但是愛坍在將鋼琴沉到大海中的時候，自己也沉入了大海中，這也正體現了作者所認為的拋棄了理想就相當于拋棄了自己，也就是迷失了自己，給觀眾留下了無限的遐想和唏噓。
四、結語
本文對于電影《鋼琴別戀》中音樂技巧的應用進行了研究和分析，通過研究該影片通過利用鋼琴主旋律、電影畫外音樂、電影畫內音樂以及二者電影畫內音樂和電影畫外音樂之間的結合來展現人物的內心世界和烘托影片中的情節，這一系列的手段對于展現電影的主題具有非常重要的作用。該部影片中音樂的應用技巧應為我國電影的制作所運用，來更加好地塑造人物形象、展現人物的情感和內心世界，表現影片的主題，進而使得我國的影片制作水平和展現的手法變得更加豐富。
作者：琪慧單位：河南警察學院
[關鍵詞]招生規模教學質量多媒體遠程教育
近幾年，我國高等教育的規模發生了歷史性的變化：高等教育升學錄取率大大提高，有效地緩解了高等教育“供求”的矛盾和壓力；充分發揮了高等學校的辦學潛力，辦學效益得到進一步提高，改革促進了發展，發展也推動了各項教育改革的深化，高師音樂教育也同樣，隨著改革的不斷深化，初步形成一個基本適合中國國情的高師音樂教育體系，在學科建設、師資培養、招生規模、器材設備、科學研究、教材建設、課程改革、教學管理等方面都有了較大的發展。但是，高師音樂實際教學中，也面臨著不少困難和矛盾，其中，最突出是由于擴大招生而使教學質量難以保證，究其原因：
一.生源質量的下降，導致教學質量滑坡。
由于教學改革的推進，招生規模的擴大，學生人數大大提增，一些專業素質和文化素質較差的學生混入高等音樂專業隊伍，學生對音樂的敏感度較差，學習音樂的能力、音樂感覺、音樂理解力等方面相當欠缺，給音樂教學（特別是技能教學）帶來極大的困難。
以往的藝術類專業，由于專業上要求較高，而一些學生在專業上花的時間較多、下的功夫較深，專業好的學生往往文化課成績較差些，考慮到這一點，國家教委降低了藝術類的分數線，目的是能讓專業水平較高的考生有機會進入藝術類高校。如今，高師音樂專業也同其它藝術類高校一樣，擴大了招生規模，考生的進校幾率大大增加，藝術類的分數線下降就意味著藝術類學生文化水平低于其它專業學生的文化水平，從某種意義上來講，高師音樂院校成為“低分考生的收容所”，一些文化成績較差的考生，經過幾個月的突擊，就能輕而易舉地考上高師音樂院校。而這些學生的學習能力、學習自覺性、音樂知識接受能力和悟性往往都比較差，很難完成學業。
二.師資的缺乏、教師壓力過重，嚴重影響教學質量。
隨著辦學層次的提高，時代要求高師音樂教師不僅具有過硬的專業技術水準和教學水平，還要有較深的理論研究水平，具有一定的科研能力。一些高校先后進行體制改革，對教師進行教學和科研的量化考核，音樂教師也不列外，高師音樂教師（特別是技能專業教師）不同于其它專業教師，他們的專業除了其他專業教師所共有的知識性部分以外，還有技能性部分，而技能性部分是靠不斷的學習和訓練，才能使專業水平得到保持和提高。因此，高師音樂教師在此情況下出現一系列問題：1.由于擴大教育規模，造成師資力量的嚴重缺乏，一些水平較差的新手加入到高師音樂教師隊伍中來，于是出現了教學質量下降的趨勢；2.一部分教師由于課時量大大增加，忙于教學，無暇顧及科研，長此以往，音樂教師的科研意識與行為嚴重缺乏，出現音樂專業教師科研成果匱乏的滯后現象。而科研的提高直接影響著教學的質量；3.另一部分教師為了保證搞科研、寫論文的時間，在教學上馬馬虎虎，應付教學，對學生的學習漠不關心，把精力放在看書、寫論文上，影響了教學質量。有的科研和論文即使出來了，也像空中樓閣，紙上談兵，離教學實際越來越遠。
三.教學設施和設備跟不上教學實際的需要。
音樂是一門特殊的學科，音樂教育不僅要有足夠數量、水平和能力的專業教師，而且還必須具備一定的教學設施與設備，才能保證教學的順利進行。
隨著教學形勢的不斷發展，一些院校的教學設施和設備已有了極大的改善。由于擴大了招生，現有的教學設施和設備遠遠滿足不了教學的實際需要。多媒體設備、學生教室、琴房、樂器等設備遠遠不夠，直接影響教學的質量。
四.高師音樂教育改革與中小學音樂教育的要求不相符合。
從八十年代開始，為了進一步推動我國音樂教育的發展，高師音樂教育不斷地進行改革，培養了一批又一批優秀的中小學音樂教師，已取得了可喜的成績。
近幾年招生規模的擴大，師生比例的調整，現代化教學的需要，高師音樂教育進行了一系列的改革，這些改革正在具體實施中，還未見成效。主要目的是研究在擴大教學規模的基礎上如何運用現代化的手段進行課堂教學，以保證和提高教學質量、教學效果。而中小學音樂教育根據音樂課程標準所實施的種種教育教學改革層出不窮，這給高師音樂教育提出了更高、更新的要求。許多中小學教師呼吁高師音樂教育改革要傾聽來自中小學的聲音。事實上，這兩種改革還存在著一定的差距。
縱上情況在一些高師音樂院校普遍存在。在知識經濟時代，倡導人文教育，特別是加強高等師范院校的人文教育，培養高層次、全面發展的復合型師資人才。為了改變目前的狀況，保證教學質量，必須采取一些合理的、符合實際的改革措施：
一.提高藝術類文化科分數線，以提高生源質量。
高師音樂教育專業應著眼長遠，根據自身的實際條件和能力，確定擴大招生規模，提高生源質量。高師音樂教育專業的培養目標是未來的音樂教師，未來的音樂教師不僅應
掌握音樂基本知識和基本技能，還應具有深厚的文化底蘊和廣闊的知識面，而后者對一個人
專業的發展和提高有著不可估量的作用。隨著音樂教育的普及和提高，音樂專業考生中歷屆生的比例逐漸減少，從一定程度上來說，考生的文化素質在不斷提高，這給提高文化科分數線,提高生源質量提供了可能。
文化水平能確立一個人的學習能力和對知識的接受能力。學生的文化水平提高了，學習的能力、學習的自覺性、學習的習慣以及接受知識的能力等方面就會加強，要培養高素質的音樂教育人才，首先要具備這些能力。貧乏的文化知識，必定會扼制學生藝術教育才能的發展。
二.加快多媒體遠程教育的步伐，擴大繼續教育。
加大教學投資，實行多媒體遠程教育，即利用網絡技術、多媒體技術等現代信息手段開展的新型教育形式，發展現代遠程教育是擴大教育規模，建立終身教育體系，辦好大教育的重大戰略措施。
1.遠程教育的發展，從一定程度上解決了師資缺乏的問題，減輕了教師的教學負擔，教師能從緊張的教學工作中解脫出來，在教學之余，有更多的時間和精力去進行教學總結和教學研究，提高教師的自身素質和專業水平，保證和提高教學質量。
2.加強成人繼續教育，為普通中小學音樂教師提供進一步的培訓。多媒體遠程教育為更多的人提供、接受高等音樂教育的機會，提供更好的學習條件。成人繼續教育主要為工作了一段時間的成年人提供專業知識與技能的教育與培訓。繼續教育能夠進一步提高廣大中小學音樂教師的水平，優化人力資源配置，能夠充分挖掘學校的教學資源為社會培養人才。同時也達到了擴大教學的目的。
3.擴大了教學，同時也提高了教學效益，學校就有能力進一步地增加教學投資，增添教學設施和設備，保證教學用房、教學用琴和其他一些樂器、多媒體設備等，以達到保證教學質量的目的。
4.遠程教育能提供廣泛的學習資源，增大教學信息量，教學形式多樣化，教學范圍廣，大大地提高了學生的學習積極性和主動性，充分發揮學生的創造能力和應用能力，從而提高教育質量和教學效果。
有了良好的學習環境、學習條件和教學基礎，再進行一些教學范圍內的改革。如：（1）在教學中進行“雙向選擇”；“公開授課”形式和“講座”形式等，把一系列競爭機制引入高師音樂教學中，使教師間產生積極、向上的動力，在競爭中不斷提高教師教學水平。（2）把中小學音樂教學新的課程標準作為高師音樂教學中學習的內容，采取一些教育實習以外的“實習課”，讓學生討論，教師點評，師生共同探討音樂教學法。使高師音樂教育培養的人才能勝任中小學音樂教學。相信不久的將來高師音樂教育能真正起到推動中小學音樂教育的發展，確實提高音樂教學質量，達到音樂教學的目的。
參考文獻：
“新藝術”的特點首先體現在聲樂上。理論學家、宮廷外交官菲利普•德•維特利的專論《新藝術》中可以看出“新藝術”的出現，已經開始動搖了仍然統治教堂音樂的“古藝術”。維特里主教認可并闡述新藝術的“創新”，條分縷析地用周密的符號表明不完全拍子“二拍子”，并用紅色強調復雜的節奏、三連音、切分音等等。以教主穆利斯的創作為代表，在哥特式經文歌的基礎上創作“等節奏經文歌”，世俗化的旋律融入嚴肅的經文歌里，隨后逐漸影響教堂音樂。新藝術的經文歌作為主要的音樂形式，成為法國新藝術代表人馬肖創作的出發點。以馬肖為代表的游吟詩人，試圖用新的表現手法重現失去了的騎士藝術，在歌曲旋律中寫入深刻動人的音樂，散漫的氣息，并將復調敘事歌的地位提高到經文歌的地位。意大利的詩人但丁和薄伽丘對音樂創作技法上的突破，追求新的響度、新的和弦和更復雜的節奏模式，強調音樂自身能感動人的巨大能力。早期的牧歌，詩歌形式十分規則，內容多是對大自然的歌頌，此外還有巴拉塔敘事曲、狩獵歌等形式。在意大利的新藝術中，音樂三大要素“旋律、節奏、和聲”融合成新的音樂概念。
二、“新藝術”的音樂實踐
音樂的實踐領域已經漸漸顯露出脫離教會核心并使自己獨立個體的跡象。新藝術時期樂器的發展促使表演觀念的改變，樂器還是依附聲音而存在，但是鍵盤樂器、弓弦樂器和風管樂器上的技術發展和器樂音樂的不斷增加，在理論和實踐的概念逐漸清晰，表演不斷需要向專業化投入。器樂因素不僅在音樂表演中起重要作用，而且促成其風格形成，例如演奏家被允許用管風琴等樂器演奏馬肖敘事歌等聲樂作品。維奧爾琴是業余愛好者最喜愛的樂器，而且出現了器樂合奏和聲樂重唱的形式。音樂實踐逐漸世俗化，貴族出于喜愛音樂，開始雇傭藝人演奏，音樂家有了新的身份，音樂教育是貴族教育中不能缺少的組成部分。“新藝術”的表演觀念從實踐開始，在旋律、節奏、和聲等音樂基本要素上做出了新的嘗試，在理論家菲利普•德•維特利、雅克布•列日等人的認可和闡述中，逐步動搖了以宗教音樂為主的中世紀經文歌形式的音樂，逐漸有了世俗的素材。
三、文藝復興時期
《西方音樂表演觀念史》的第三章標題，作者將文藝復興時期的音樂表演稱為是“甜美的藝術”，但未解釋其中的“甜美”指何物，是新藝術的思潮，還是人文主義思想或世俗音樂的發展？筆者認為文中“甜美”引自新派理論家穆利斯對新音樂的論述：“音樂是所有藝術形式中最甜美的，因為沒有其他的藝術能夠在這樣短的時間里帶來如此多的快樂。”穆利斯所說的“甜美”是指“音樂最大的效用存在于它所提供的快樂和甜蜜的感覺之上甜美”。筆者認為作者將甜美之意張冠李戴了，穆利斯所提出的“甜美”是中世紀晚期的美學統稱之一，而不是我們現代直義“甜美”，藝術家的強烈的個人主義想象力在美學的孤立狀態中找到避難所，他們以為孤立就是自由。文藝復興初期的音樂經過法國新藝術、勃艮第音樂、英吉利音樂到法蘭西-弗蘭德斯復調音樂的統治，最后在勃艮第地區形成視界音樂中心。哥特人珍視的藝術形式——經文歌依然是一股有生力量。意大利和英國的影響磨平了古老經文歌的冷峻的建筑性，復調歌曲的甜美悅耳同樣被融入新的經文歌。到了勃艮第地區，經文歌變成了隆重的節慶音樂形式，用于國王加冕、締結和約、教堂祝圣和盛大婚禮。教堂音樂和宮廷的音樂藝術之間隔著一條鴻溝；經文歌不屬于任何一方，而是介于二者之間，兼有在家修靈、默想時唱的“家庭音樂”和公眾集會時用的節慶音樂的雙重身份。文藝復興把和聲的原則看做美的本質，它完全是數的關系，關心的是大小和比例；一切質的需要，如色彩、性格、情緒和地位等。嚴格說來，只是要求觀察自然而得的準確性和真實性。人文思潮的影響對音樂理論的發展逐漸影響表演觀念，初期音樂家被要求是理論與實踐結合統一的，如扎爾林諾、伽利略、蒙特威爾第等。從15世紀開始，約翰•延克托里斯在其著作《音樂定義》提出和諧新觀念，即作曲家創作的旋律音響產生的精神才是和諧的。人們能聽得到的聲樂和器樂才是真正的音樂。從他的觀點可以看到，器樂音樂的地位有所提高。理論家扎爾林諾解決了基于大小調的新的體系代替格里高利體系所產生的理論和實踐之間的矛盾，并從他的理論出發區分了理論家、作曲家、表演家、聽眾的身份，在音樂表演觀念和美學觀念上是重大突破。
四、德國宗教音樂改革
伴隨宗教改革的新音樂運動的中心是馬丁•路德的偉大形象。作為人文思想的主要人物之一，他認為音樂是活的藝術，是現時的藝術，他考慮音樂時，不僅僅為了音樂的自身價值，而且把它當做語言，看做教育工具，使年輕人更能接受上帝的福音。將世俗歌詞的意思改寫成宗教的歌詞，隨之天主教的教堂音樂轉為路德福音派教堂音樂。獻給圣母瑪利亞的各種德語和拉丁語贊美詩和天主教的其他教堂歌曲被改寫，以符合新的教義。路德本人其實并不反對崇拜圣母瑪利亞和圣徒，但是他的后繼者認為，這類歌曲必須按“基督精神”加以改進。宗教音樂改革對強大的中產階級影響最大，這一圈子對宗教傾向的反應最為積極。這些音樂家是社會結構的有機部分，他們和教師、教堂主唱家、管風琴師或牧師一樣是依賴政府和教會生存的。在這些中產階級的氣氛中興起了有別于唱詩班的新教學校。新教學校的興起對音樂的傳播提供了廣闊的平臺，一部分音樂愛好者和音樂家利用當時的流行音樂素材、格里高利圣詠、世俗的“持續聲部”和民歌，并將之反復改變以適應情景的需要。文藝復興時期的法國尚松反映了法國人的民族性：幽默、敏感、瀟灑。其中的音樂節奏基本決定于歌詞和節奏。威尼斯樂派作為意大利的音樂文化中心，其代表人阿德里安•維拉爾特創作了牧歌這一演唱形式，并創造了純粹的器樂音樂和風格，把復調的作曲技巧傳給17世紀。16世紀末的反宗教改革時期，由扎爾林諾提出的和聲與歌詞之間的關系，由他的學生溫琴磋•伽利萊將問題升華，首先他基于實踐，對復調音樂與歌詞的結合持否定態度，希望歌詞和音樂之間能建立在清晰和邏輯關系之上，其次主張單旋律音樂的發展。
五、文藝復興的樂器及理論
在《西方音樂表演觀念史》中，提到樂器的發展源于器樂音樂的不斷變化與和聲體系的不斷完善……作者只簡單列舉了琉特琴和鍵盤作品的創作大量出現，器樂演奏日益成為文化生活的重要內容，音樂活動越來越專業化，音樂表演藝術家不僅是創作者，同時也要有專業化表演的能力。隨后提到的唐•尼古椅•維僧迪諾是盛行的文藝復興理想的最典型的代表。這里的最典型指的到底是什么？作者并未明說，是“音樂脫離復雜的對位復調”嗎？可是接下來又說他強調教堂音樂必須遵守教會調式，接下來作者又說他堅持歌詞的價值和重要性。讓人看了云里霧里，無法了解作者敘述的意圖。筆者認為在樂器的發展中，隨著觀念的改變，能夠演奏復調的樂器變得重要了，教堂管風琴和琉特琴流行起來，弦樂隊也逐漸代替管樂隊在演奏圣樂和隆重的世俗音樂的場合出現。從這些樂器制造的工藝來看，德國和意大利屬于前列，做工講究、裝飾精細，因此兩個國家的器樂水平也是屈指可數的。音樂理論在文藝復興時期成為一個新的綜合音樂體系，其中最卓著的是海英里希•洛里斯，又稱格拉雷安，他的著作有《十二調式論》，此著作詳盡論述了法蘭西-弗蘭德斯樂派的復雜的復調作曲法。格拉雷安推崇諾斯坎•德普雷代表古典人文主義精神的實現，是崇高的形式、自然的莊嚴和部分與細節的和諧平衡等種種理想的絕對體現。理論家的美學理論中強調教堂音樂除了必要的教儀經文作為歌詞外，應該有洪亮的復調結構，有肅穆的開端。這種觀點可視為巴洛克時期“莊嚴風格”的雛形。同時在歌唱方面，堅持歌詞在聲樂作品中的價值和重要性。他的理想是歌詞和音樂的完美結合，歌詞為主體，音樂使它更加栩栩如生、扣人心弦。
六、結語
一、莫扎特中的鋼琴音樂藝術解讀
在電影《莫扎特》中，鋼琴音樂藝術是一個十分明顯的創作特色，音樂不僅推動了故事情景的發展，也營造了另一種十分感人的氛圍，對于故事情節的發展有十分重要的推動作用，對于影片中人物形象的塑造也有十分重要的作用，還深化了電影的主題。這部電影中的鋼琴音樂藝術可以使整部作品的視覺效果得到深化，鋼琴音樂的應用也可以促進情節發展，音樂的藝術表現力很強，對于電影的劇情發展有十分重要的作用，在這部電影中，音樂的出現不僅渲染了氣氛，也設置了懸念，對于故事情節的發展有十分重要的意義。此外，音樂在很多時候可以代表人的語言，音樂本身就是一種很有表現力和感染力的因素，在電影作品中巧妙地應用音樂語言，可以使一些不必要的對話得到避免，從而利用音樂語言的張力以及韻味將故事情節推向一個更高的高度。最后，鋼琴音樂最關鍵的一個作用就是對主題進行深化，將音樂用于電影作品中，能夠對電影的核心內容進行表達和概況，也能對故事想要表達的主題進行揭示，對于影片想要傳遞和表達的意思進行有效地傳遞。這部電影所描述的是莫扎特的一生，莫扎特一生的成就就是鋼琴藝術，因此影片中自然少不了鋼琴音樂。
二、莫扎特的鋼琴作品與電影情節的融合
影片的背景是18世紀80年代，當時只有26歲的莫扎特到維也納，由于他的音樂才華使得整個奧地利宮廷都為之傾倒，正是由于這樣，使得宮廷樂師薩里埃利對他產生了怨恨，同時也嫉妒他的才華。薩里埃利是一個心胸狹窄的人，于是想盡辦法要除去這個對手，年輕的莫扎特是一個不諳世事的人，在生活中不拘小節，在薩里埃利的調唆之下，維也納音樂界中那些保守、古板的人開始為難他，開始對他發難，莫扎特的樂譜開始遭到修改，最終由于薩里埃利從中作祟，莫扎特在宮廷演奏的機會也沒有了，生活一下子就失去了經濟來源，并且由于其他的事情出現，使得他的生活變得十分糟糕。在這樣的環境中，他的父親去世，莫扎特的心里受到了更大的打擊，身體狀況也變得越來越糟，這個時候的薩里埃利竟然找到了莫扎特，要他譜寫一首《安魂曲》。受到恐懼以及疾病的折磨，莫扎特譜寫了《安魂曲》，終于在曲子完成之后氣絕身亡。盡管莫扎特已經被折磨死去，但是薩里埃利卻終日活在莫扎特的冤魂糾纏中，被送進了精神病院。薩里埃利漸漸被人遺忘，但是莫扎特一生創作的經典作品漸漸被人們重拾起來，成為了永久流傳的佳作。這部電影除了對莫扎特的一生進行了描述，另一個亮點就是電影中的音樂，這部電影中的音樂全部都是莫扎特自己的音樂作品，影片的發展是以莫扎特的人生軌跡為線索的，因此音樂的安排也有一定的順序。電影中一共引用了54個音樂片段，有很多種形式，比如歌劇音樂、歌劇唱段、鋼琴協奏曲、小夜曲、交響樂等，音樂的出現與劇情的發展相輔相成，莫扎特在音樂創作上最大的貢獻就是協奏曲，在莫扎特的協奏曲中，鋼琴協奏曲占有突出的地位。影片中的54個音樂片段，有6個是鋼琴音樂，5個都選用了莫扎特的鋼琴協奏曲。在影片中，莫扎特的妻子康斯坦茨為了幫丈夫尋求一份工作，她帶著莫扎特的音樂手稿來找薩里埃利幫忙，這本來就是一個錯誤的決定，由于薩里埃利對莫扎特懷恨在心，因此當莫扎特的妻子來找他的時候，他的心里洋洋得意。劇中的薩里埃利在翻看音樂手稿的時候，背景音樂就是這些音樂手稿的片段，他在翻看這些音樂片段的時候，就被這些音樂作品震撼到了，比如《降E大調第十雙鋼琴協奏曲》的第三樂章，就是其中的一個。再比如，在電影中，由于薩里埃利的陷害，莫扎特并沒有能夠當得上宮廷樂師，生活上十分潦倒，但是當時的莫扎特十分單純，還認為所有人都是好人，對薩里埃利也沒有防備心，甚至還請求他幫忙，當莫扎特到薩里埃利介紹的學生家中的時候，他發現這家的主人更熱衷于莫扎特彈琴給他的狗聽，于是只好離開，當莫扎特離開的時候影片中響起的音樂是《降B大調鋼琴協奏曲》的第三樂章，其很好地展示出了莫扎特當時比較落寞的心情。再比如，莫扎特為奧地利皇帝舉辦的露天音樂會中，背景音樂是《降E大調鋼琴協奏曲》的第三樂章，這個音樂片段展現出莫扎特的慷慨激昂，當時的莫扎特不僅在彈奏鋼琴，還指揮樂隊，正是意氣風發的時候。這個背景音樂的開朗奔放產生的熱烈氣氛正好可以對當時莫扎特的形象進行展示。
三、莫扎特鋼琴作品的音樂特色在電影中的作用
莫扎特是古典主義的杰出音樂大師，在音樂的創作過程中涉及很多領域，在莫扎特的音樂作品中，莫扎特確立了18世紀古典主義協奏曲的結構。在莫扎特的協奏曲中，鋼琴占有十分重要的地位，莫扎特的鋼琴協奏曲不僅具有歌劇和交響樂的特點，而且對鋼琴的個性進行了有效的展示。在欣賞莫扎特的協奏曲的時候，往往可以從比較歡樂的音符中看到一個真摯的、對生活總是充滿了樂觀情緒的人。比如在電影中，引用了莫扎特《d小調鋼琴協奏曲》的兩個樂章，這部作品是莫扎特第一部用小調寫成的協奏曲，其中又充滿了矛盾沖突的戲劇性，而且蘊涵的感情十分豐富。比如第一樂章體現出來的陰暗的悲劇色彩，對于莫扎特的心情是一種很好的展示，電影中父親的去世對莫扎特是十分沉重的打擊，這樣的背景音樂就可以很好地展示了莫扎特的內心世界。薩里埃利利用莫扎特對父親的緬懷，要求莫扎特創作《安魂曲》的時候，對于莫扎特而言又是一種更加沉重的打擊，對于他的精神和心靈都是嚴重的摧殘，促使莫扎特最終離開了人世，因此，這是電影的一個轉折點，在這個轉折點中使用的音樂尤其重要，在這里，電影使用了比較悲愴的音樂，對于莫扎特被打擊之后所表現出來的一種傷心欲絕以及絕望的心態是一種很好的體現，這里的音樂很好地順應了故事情節的需要，樂曲與影片的情節很好地結合在一起。第一個樂章是一種比較輕慢的音樂，這一樂章的音樂明亮而又憂郁，所體現出來的主題質樸而且簡單，這種簡單中又含有一種美的力量，在電影的最后，當薩里埃利被推出房間的時候，采用的背景音樂是《d小調鋼琴協奏曲》的第二樂章。一開始的主樂器就是鋼琴，使得觀眾在聽后可以有一種十分真實的感情流露，傷感的旋律在人們的心中久久不能散去，鋼琴之后的音樂有管弦樂隊出場，并且與鋼琴部分進行交替，形成了比較強烈的對比。在影片結束的時候《浪漫曲》的應用，使得情調變化和明暗對比更加豐富，更加傳神，對觀眾的吸引力更大。
四、結語
《莫扎特》是一部對莫扎特的一生進行描述的人物傳記電影作品，莫扎特的一生在鋼琴協奏曲中的貢獻最大，因此作為一部對他的一生進行記錄的影片，音樂自然是必不可少的重要組成部分，同時音樂基本使用莫扎特自己創作的音樂，使得作品的主題更加深刻，使觀眾在觀看電影的時候對莫扎特的作品有了更深的了解。
作者：張欣欣單位：內蒙古民族大學音樂學院
（一）明確課程構建出發點
各高等音樂藝術院校必須把握時代精神，以傳承和發展少數民族樂器為基本出發點，從少數民族音樂教育的本體價值和人的全面發展等方面出發，以少數民族樂器的音樂價值和社會價值為基礎來設計和構建課程，培養能夠在學科內系統掌握音樂基礎理論、系統知識和專業技能，具有較高的文化素養、較強的藝術表現能力和綜合實踐能力，能夠勝任專業藝術團體活動、科學研究、學校音樂課堂教學、指導課外藝術活動、參與校園文化環境建設的高級藝術人才。
（二）科學合理設置課程結構
科學合理設置課程結構是構建少數民族樂器教育課程的核心和關鍵。對于少數民族樂器教育課程結構的設置，各高等音樂藝術院校應避免學科本位、科目過多和缺乏整合等情況的出現，整體設置課程門類和課時比例，加強學科體系整體的綜合功能，促進理論與實踐的有機統一，體現課程結構的均衡性、綜合性和選擇性。首先，各高等音樂藝術院校應加強對少數民族樂器產生的文化、歷史等背景知識的重視，將少數民族樂器的技術和歷史文化等要素進行有效的整合。其次，要重視學生的主體地位，少數民族樂器教學的起點應建立在學生的興趣愛好、審美能力、現存知識和經歷的基礎之上，教師要通過少數民族樂器教學活動來解決理論和技術問題，培養和開發學生的創造力、演奏能力和合作能力。
（三）創新教學方式教師
在少數民族樂器教學過程中應與學生積極互動、共同發展，處理好傳授知識與培養能力的關系，培養學生的獨立性和自主性，引導學生質疑、調查、探究，在實踐中學習，促進學生在教師指導下主動地、富有個性地學習。對于少數民族樂器教學來講，“請進來，走出去”不失為一種很好的選擇。我們可以聘請從事少數民族樂器研究的專家和少數民族樂器民間表演藝人來校任課或舉行講座，直接傳授少數民族樂器的文化及演奏技巧。這種方式解決了各高等音樂藝術院校少數民族樂器師資匱乏的現狀。同時，我們可以讓學生深人少數民族地區進行采風，參加少數民族地區民族民俗活動，與當地群眾進行音樂交流，體驗當地民族文化。這種方式將課堂教學與田野考察體驗結合起來，有利于學生加深對少數民族樂器的情感體驗，深刻感知少數民族音樂的內涵。實踐證明，“請進來，走出去”的方式能讓學生更加直觀的了解少數民族樂器的歷史及文化，從而對少數民族樂器產生更加濃烈的興趣，喚起學生學習少數民族樂器的熱情。
（四）加強師資隊伍建設
由于我國大多數音樂藝術院校很少設置少數民族樂器表演專業，這使得少數民族樂器人才青黃不接。此外專業人才和師資力量的缺少導致少數民族樂器在音樂藝術院校中的教育發展受到了很大的阻礙。所以，加強少數民族樂器教育師資隊伍建設顯得尤為重要。首先，在少數民族樂器教育師資相對缺乏的情況下，政府或教育部門應打破學歷、資歷等方面的體制束縛，破格吸收對少數民族樂器發展有利的人才到教育隊伍中。其次，政府或教育部門可在少數民族地區組織短期少數民族樂器教育培訓班，培養并建設師資隊伍。同時各高等音樂藝術院校可通過各種獎勵方式鼓勵優秀的音樂教師到少數民族地區采風學習，加強對少數民族樂器歷史文化以及演奏技巧的掌握，提升音樂教師的綜合素質。
二、總結
論文關鍵詞：格拉仄姆布魯斯，爵士樂，寵兒
作為非裔美國黑人作家的代表，莫里森深受黑人傳統文化及歐美文化的雙重影響。她曾多次談論音樂的力量以及音樂對她作品的影響，并認為音樂是一種理想的藝術形式。無論從敘述手段或是思想內容而言，莫里森的不朽巨作《寵兒》處處滲透著她對爵士樂的自如運用和發展。
當黑人從非洲大陸被帶到美洲的那一刻起，貧困奴役的生活長期壓迫著背井離鄉的黑人們。1865年，雖然黑奴獲得自由，但他們的生活依然貧困潦倒，他們唯一可以依靠的便是自故土帶來的音樂，他們自娛自樂，吟唱自己的勞動號子、贊美詩、圣歌。黑人民間音樂遇上歐洲古典音樂，融合當時的流行音樂，創造出爵士樂的雛形。
19世紀末，拉格泰姆（Ragtime）盛行。拉格泰姆，稱為散拍樂，其主旋律數量不固定，演奏略帶即興。貧苦的生活使的拉格泰姆演奏者沒有機會學習到正統專業的樂理知識，但通過對歐洲音樂的效法，他們又嚴格按照音符節拍進行演奏。循規蹈矩又即興的演奏給聆聽者以節奏起伏的震撼，蘊含其中的掙扎表露無遺。正如法國爵士樂研究專家呂西安·馬爾松所述：“好像在歐洲，一些為養老院家庭舞會或者茶舞會的老小姐，苦于找不到頑皮的表達方法”（呂西安·馬爾松， 2005:33）
布魯斯（Blues）由人聲敘述，配以樂器伴奏，使演奏者與聽眾間形成微妙的溝通和情感的共鳴文學藝術論文，其旋律憂傷纏綿，包含對世事的感傷和內心的痛苦，對生活與愛的向往和擺脫束縛的渴求。
“爵士音樂直接來源于布魯斯，它的特征也與布魯斯有聯系。爵士樂演奏者用樂器模擬演唱者的歌喉，風格和悲傷的情調…鼓勵演奏者形成自己獨有的風格，演奏者同時又是作曲家…便需要摻入演奏者的思想感情和演奏方式”（艾琳·索森，1983:420）爵士樂的曲譜僅有個輪廓，演奏者依據輪廓自由發揮。切分自由，演奏靈活，富于變化，激發了爵士樂自由開放的曲風。
一 格拉泰姆式的掙扎
1.愛而弒之
奴隸制下，奴隸及其子女都被歸為奴隸主的私有財產，黑人女奴更被視為可再生產的一種工具。奴隸主往往已扭曲甚至喪失人性，將女奴當成是泄欲和繁殖新奴隸的工具。他們掌握奴隸的生殺大權，可以將奴隸買賣出租，儲存典當。在了無人性的奴隸制下孕育出的濃烈畸形的母愛成為小說《寵兒》的中心線，貫穿故事始終。奴隸制畸變原本偉大的母愛，使母親不得不用殺死孩子的極端行為來保護子女免遭奴隸制的侵害。塞絲對奴隸制充滿仇恨，但根深蒂固的奴隸制使她無法保護自己的孩子，為使孩子不被奴役，她唯一的辦法是殺掉自己的孩子，將他們送到安全的地方——上帝那兒。
殺死自己的嬰孩有悖人倫，殺嬰源于母愛更有悖常理。但發生在塞絲身上卻可以理解。塞絲她深愛自己的孩子，沒有孩子她就“無法呼吸”，她可以承受虐待毒打，卻不能原諒學校老師的侄子搶走她的奶水。奶水是唯一能給孩子的愛，“除了我自己的孩子，誰也不能再得到我的奶水。”她對孩子的愛毋庸置疑，但就是母愛將她逼入兩難的境地，沒有孩子她“無法呼吸”，若孩子繼續留在身邊，他們又將經歷她曾經的痛苦。她的“愛太濃烈”，她寧愿自己“無法呼吸”也要把孩子送往安全的地方。
2. 丹芙的矛盾情感
在塞絲逃跑途中，丹芙出生了。雖然過程驚險波折，但丹芙最終順利活下并健康成長。但塞絲的弒嬰行為使整個124號處于社會群體甚至是黑人群體的鄙視排斥中。外人的疏遠加上塞絲的過度保護，使丹芙完全與外界隔離，“沒有人跟我們說話。沒有人來。男孩子不喜歡我，女孩子也不喜歡我”。在家中，怨恨的鬼魂嚇跑了兩個哥哥。自從哥哥逃跑后，祖母整天沉迷于色彩研究，母親沉浸于對死去女兒的懺悔中。丹芙雖然在物質生活上衣食無憂，但在精神層面上，她卻從未被真正的關懷。她被家人忽略，被外界孤立。無窮的孤獨感使她將長期以來騷擾124號的鬼魂當作自己的唯一伙伴。這段一廂情愿的友誼看似詭異，但對于長期處在寂寞中的丹芙而言，那是唯一心靈的依靠。但是保羅·D來了，趕走了作亂的鬼魂，也趕跑了她孤獨世界中唯一的伙伴文學藝術論文，他甚至將唯一還在乎她的母親的注意力也轉移了。被孤立的感覺使她將女孩寵兒當作另一精神寄托，她想要徹底得到寵兒所有的注意力。生平第一次，丹芙有了被需要、被重視的感覺。她將寵兒當作另一個自我。當她發現寵兒回歸的唯一目標是塞絲，面對越來越虛弱的母親，丹芙開始擔心寵兒會殺死母親。為了拯救母親，她走出124號，向社區人求救，最終趕走寵兒。
塞絲畸變的母愛及丹芙和寵兒間矛盾的皈依，矛盾又成其自然，向讀者展示了拉格泰姆式矛盾掙扎的風格。
二 布魯斯的憂傷
1. 西克索的悲劇
西克索是《寵兒》中不甚起眼的人物，但他卻是“甜蜜之家”男黑奴中一個特殊的存在，他是莫里森在《寵兒》中塑造的一個完美黑人的形象。莫里森形容他“靛青色的西克索長著火紅的舌頭”。靛青色是一種穩重沉靜的色彩，讓人聯想到廣闊深邃，但又不失孩童的天真。用這樣的詞來形容西克索實在恰當不過，西克索知道料理食物；知道作為人類追求愛的權利，他歷經千辛萬苦，只為見他那“三十里地女人”一面，“為了讓他的血統后繼有人”，“西克索是唯一不因渴望塞絲而癱瘓的人”。
西克索曾是溫柔沉靜的，而且說英語。在其他黑奴都甘于生活在“甜蜜之家”服從加納先生的統治時，西克索已經預知他們的未來不會美滿，現在的生活只是五彩泡沫。西克索深思熟慮、知識豐富。他們的逃亡是由西克索設計的，因為在每次和“十三里地女人”的約會中，他清楚記下了“甜蜜之家”以外的地形路線。只有西克索敢于質疑并反駁“學校老師”“定義屬于定義者，而不是被定義者”的觀點，他無疑是一個善于雄辯、邏輯清晰的智者。
西克索的舌頭是火紅的。紅色是《寵兒》中大量運用的一個色彩意向。紅色之于不同人物擁有不同的含義，對于寵兒，紅色是死亡、暴力和奴隸制的殘酷、人性的血腥；對于保羅·D，是自由與勇氣的想往；對于愛彌爾是希望與光明。對于西克索，火紅的舌頭包含了正負面的所有情感。早期的西克索，對未來充滿渴望，他火紅的舌頭代表對自由的向往。逃亡失敗被抓時，他放任自己瘋狂，用火紅的舌頭唱歌大笑，西克索從不笑，“他平生只大笑過一次——在生命的最后一刻。”
西克索沒有堅持到最后，他最終仍被奴隸制摧毀。他不再說英語，這是對未來的絕望，亦是對英語這種白人語言的反抗。最終，他在大笑中被活活燒死。西克索微笑著迎接死亡，給人心酸悲傷的感覺。才為他自己乃至所有反抗非人性待遇的黑人保有了生的尊嚴。
2.貝比·薩格絲的含恨而終
貝比·薩格絲一共有八個兒子，雖然其他的孩子不是死了就是下落不明，但她還有最小的兒子黑爾陪伴在身邊。相比其他女奴，貝比·薩格絲無疑是幸運的。加納統治時代的奴隸們擁有相對稍寬裕的生活，甚至令黑爾可以出賣勞動力為貝比贖回自由身。
長期被奴役后突然獲得自由，貝比被這種突如其來的自由震撼了。獲得自由的第一件事便是改掉自己的名字。對于她來說，這是自由意識的實際象征。不僅自己擁有自由的意識，她還想要將這種意識傳遞給社區的其他人。她成為一個不入教的傳道師。她在“林間空地”布道文學藝術論文，號召黑人熱愛自己，熱愛自己的身體。
然而，親眼目睹社區人的背叛與嫉妒，看著賽絲被迫殺死自己的女兒被警察帶走而她卻束手無策，貝比心中剛建立起的信念徹底崩潰。最終她選擇封閉自己，玩味無法對她造成任何傷害的色彩打發時間。終其死去，貝比也沒能擺脫心中的恨意，找回迷失的自我。
西克索從未笑過，唯一一次大笑，卻是在死亡之時；貝比·薩格絲擁有自由與自我信念的權利，卻被推進虛幻的色彩世界，含恨而終。對西克索和貝比而言，死亡不是結束而是解脫，是新的開始，但就是這樣不正常的死亡，現實而悲哀，傳承了布魯斯哀傷的風格。
三 爵士樂的開放
1.開放的結局
小說最后一字雖已完結，但情節卻似乎沒有完結。作者留給讀者一個全然開放的結局， 一個想象的空間：寵兒是否真的是塞絲的女兒；黑爾是否真的死去；塞絲最后是生是死，與保羅的發展又是如何。
寵兒的到來和離去都充滿神秘感，她沒有交代她從何而來，只說她從水里來，她的脖子“周長不足一個茶碟”，她的名字和塞絲為死去女兒墓碑上刻的名字一模一樣。種種跡象顯示她就是塞絲的女兒。推斷是如此，但小說卻又暗示她好像只是一個逃跑的女奴。關于黑爾，我們只知道他瘋了，失蹤了，臉上涂滿牛油和酸酪，自己在嘴上勒著鐵嚼子。我們甚至難以確定他是怎么瘋的，是因為看到了自己的妻子被，還是因為意識到自己作為奴隸的悲哀。他是活在世界的某個角落，或是已孤獨的死去。
對塞絲和保羅·D，小說的最后一幕定格在貝比薩格斯的病床上，塞絲在等死，保羅·D努力勸說，希望她回到過去。保羅走出自己迷失的內心，編織著未來屬于他們的美夢。但最終塞絲是否從寵兒離開的痛苦和殺死女兒的悔恨中走出來，并與保羅幸福的生活，都仍是未知數。
小說雖已完結，故事仍可持續，讀者可以在反復閱讀中尋找想要的答案。開放的結局，不同的讀者心中自有不同的詮釋。這就是爵士樂開放自由的體現。
2.最后的解放
貝比·薩格斯，塞絲，丹芙是美國黑人女性在認識自我，尋求自我，塑造自我旅程上的三代標志性形象。貝比開始產生自我意識，并期望通過傳教的形式向其他黑人傳遞這一想法，但最終卻在深受打擊后崩潰文學藝術論文，預示了第一代黑人女性尋求自我意識的失敗。
塞絲是個極富自尊的黑人女性。這或許可成為推動她尋求自我意識的內在特質。殺死寵兒后，她一直活在悔恨痛苦中，當寵兒到來之后，塞絲將已蠢蠢欲動的自我意識建立在寵兒身上。這是種危險的行為--自我意識怎能建立在她人身上。因此，當寵兒消失后，她好不容易才剛建立起的自我意識消失殆盡，第二代黑人女性自我意識的尋求也以失敗告終。
丹芙從未受過奴隸制的摧殘，雖然孤獨的環境造壓抑了她對自我意識的認知。但長期的寂寞鍛造了這個孤獨小姑娘勇敢堅強的內在。因此，為了保護母親，她的自我意識逐漸覺醒。在尋求幫助的過程中，她的自我意識逐步累積。成功趕走寵兒，保護了母親，她甚至還將去念大學，這昭示著第三代黑人女性的自我意識追求之路終于成功。
這種思想解放與開放的結局，體現了爵士樂自由開放的音樂特性。在成功地尋求自我意識變為可能之時，就是黑人女性甚至是整個黑人種族的民族意識得到解放之時。
爵士樂在非裔美國人心中的地位是崇高無可替代的。在深受爵士音樂特性的影響下，莫里森小說貫徹爵士樂發展三部曲的步調，從拉格泰姆掙扎矛盾性，到布魯斯的悲傷基調，直至爵士樂的自由曲風，在《寵兒》小說中處處有所體現。《寵兒》的思想內容與黑人爵士樂發展歷史的契合這一音樂特性，體現了莫里森對黑人傳統文化的熱愛，對黑人歷史的緬懷，也讓讀者體會黑人民族文化的獨特魅力。莫里森正是通過爵士樂的特點，向族人呼吁熱愛自己文化的同時，弘揚自己的歷史文化的。
參考文獻：
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音樂會練聲曲主要是指沒有歌詞的聲樂作品，它是聲樂藝術發展到一定階段的產物。它具有藝術歌曲與聲樂練習曲的雙重屬性，即，既包含復雜的演唱技巧，又具有高度的藝術性。
作為豐富多彩的聲樂藝術中一個“獨特的”品種，它的價值就像鋼琴教材中的肖邦、李斯特的音樂會練習曲，或小提琴教材中的帕格尼尼的隨想曲一樣，既具有高度技巧性、又具有高度藝術性，是提高聲樂專業的全面技巧、藝術水準的重要途徑。音樂會練聲曲相對于聲樂練習曲來說，它不僅囊括了各種聲樂技巧。而且還具有很高的藝術價值，更強調的是歌唱者對作品的理解和對歌曲技巧的把握發揮，這更是歌唱修養不可或缺的重要因素。
在西方藝術音樂發展的歷史長河中，歌唱藝術從古希臘的吟唱史詩到中世紀的復調合唱，再到十七世紀初的抒情性音樂劇，歌唱已成為一門富有表現力的藝術。舒伯特曾經說過：“在整個音樂藝術中，歌唱不可爭辯的是處于首要地位的，它是一切旋律、轉調與和聲所環繞的軸心。所有的樂器不過是歌唱聲音的模仿。歌唱好似一位帝王坐在他的寶座上，而環繞它的一切樂器都好像是俯首稱臣的諸侯王公。人聲本質上是一種最原始的聲音。世界上一切其他的聲音不過是這神圣的原始聲音的一種遙遠的回聲。人類的喉嚨是世界上最初的、發聲最純正的、最值得贊美的樂器!”。
而要把人類的喉嚨訓練成美妙動聽的歌喉，就要進行一系列的聲樂訓練，以達到專業化的歌唱水準，歌劇和美聲唱法的發展更需要良好的聲樂技巧和藝術修養作后盾，中國聲樂教育家尚家驤曾指出“很多教師把聲樂練聲曲作為學生演唱歌劇前的技術準備材料”，這就使音樂會練聲曲的前身――現在普通而常見的聲樂練聲曲的產生和發展成為可能和必須。
“普通而常見”的練聲曲主要有兩個來源：
一種來源是十九世紀早期。出版的有鋼琴伴奏的視唱練耳練習曲。
視唱曲在巴洛克時期就已出現，而視唱練耳教材在十八世紀的法國和意大利已經大量出版。視唱曲一般用“唱名”而非“元音”來演唱。一些早期聲樂教師延續了這種演唱習慣，例如，多梅尼科?科里在1810年出版的《演唱指南》(The Singer's Preceptor)和曼魯艾爾?加西亞在1840年出版的《歌唱藝術論文全集》(Trait complet lart du Chant)中，也開始出現演唱“唱名”而非“元音”的聲樂訓練材料，這可以說是聲樂練聲曲的雛形。后來，這種有曲調而無歌詞、同時還帶有鋼琴伴奏練習曲的形式，便逐漸定型為練聲曲的經典組合形式。到了19世紀中期又有了更多的此類出版物，而聲樂教師亨瑞奇?帕洛夫卡(Henri-chi Panofka，1807―1887聲樂教師、小提琴手、作曲家)在巴黎的時期出版的同類出版物，已經明確為五本的聲樂練聲曲。
值得一提的是帕諾夫卡在1840年時研究了眾多歌唱家的演唱技巧(如：Marco Bordoni/Jenny Lind/Lablaehe/Frasehini/Staudigl)，于1852年在倫敦出版了第一本具有教育性的聲樂作品《聲樂指導訓練》(《Practical Singing Tutor》)；1854年在巴黎出版了《歌唱的藝術》(《Lart de chanter》op.81)一書，給他帶來了作為小提琴手和作曲家所不能獲得的巨大成就。而1858年他為初學者寫的一本《帶字母的聲樂訓練》(《Abecedaire vo-cal》)獲得了成功并具有創新性；最后的一本書《歌唱與聲音》(《Voix et chanteurs》op.85)是在前兩本書《歌晤的藝術》和《帶字母的聲樂訓練》的想法和材料的基礎上寫成的，其中還包括了許多著名的聲樂歌唱家歌唱時的生理感覺。
另一個來源是將已有的聲樂作品去掉歌詞后作為練聲曲。
早在1755年，簡巴帕提斯特?貝拉爾德(Jean-Baptiste Be-rard)就從“技巧性”(比如適用于柔和、輕快、有裝飾、莊重的聲音)的角度出發，選擇了呂利、拉莫以及其他等20幾位作曲家的作品，去掉歌詞作為練聲曲，并就如何訓練等問題做了詳細、精確的解釋，以此來作為他的《藝術演唱》的補充。到了19世紀，絕大多數聲樂教科書中都編進了為同種目的而特別創作的作品。對于這種做法的意義與作用，著名的聲樂教育家加西亞(Garcia)認為：“無歌詞的旋律能為學生提供一套包括各種難度的歌曲集”。事實上，這種來自聲樂作品的練習曲難度更大，對人聲歌唱的技巧性要求更高，尤為重要的是它在訓練過程中必將涉及到歌唱的藝術性要求……因為這類練聲曲原本就是真正意義上的“聲樂藝術作品”。相對于第一個來源，第二個來源更強調聲樂訓練的技巧與藝術性，它從美聲唱法的技巧難點出發，對聲樂技巧的各種難度進行歸納、總結，并提出相應的解決措施。
“普通而常見”的練聲曲這幾個主要來源，對于音樂會練聲曲的最終形成與發展演變都有著重要的作用。從一定意義上講，視唱練耳練聲曲主要“提供”了音樂會練聲曲“有鋼琴伴奏”的“固定形式”；而將聲樂作品去掉歌詞改編為聲樂練聲曲的做法，則使音樂會練聲曲在解決聲樂演唱技巧問題的基礎上，更被“賦予”了高度的藝術性含量。
