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空間藝術論文

時間:2023-01-21 22:02:45

開篇:寫作不僅是一種記錄,更是一種創造,它讓我們能夠捕捉那些稍縱即逝的靈感,將它們永久地定格在紙上。下面是小編精心整理的12篇空間藝術論文,希望這些內容能成為您創作過程中的良師益友,陪伴您不斷探索和進步。

空間藝術論文

第1篇

一、如果說西方繪畫藝術是一種科學態度的話

那么中國的藝術體系融合了儒、釋、道的哲學思想,是在特定時期,特定的地域,特定的文明制度下產生的特有的藝術形式。在內容和藝術創作上,體現了古人對自然、社會及與之相關聯的政治、哲學、宗教、道德、文藝等方面的認識。“外師造化,中得心源”是中國畫創作的原則,師造化可以理解為:1、向古人學習2、向大自然學習其修成的正果由胸中抒發出來,變成自己的作品,這是形而上的內修外練的過程。莊子《秋水篇》云:秋水時至,百川灌河,徑流之大,兩涘渚崖之間,不辯牛馬。于是河伯欣然自喜,以天下之美為盡己。莊子認為大自然山水中,天地是無窮大的,其他以外的事物再巨大都極其渺小,“不見水端”的北海在天地間就像“小山小木在大山”,四海在天地之間就像“礨空之在大澤”,這種“無窮的天地”時空轉到今天來講也是高深莫測的領悟,甚至可以升華為人們的精神世界里一種寄托。北宋畫家郭熙提出了“三遠法--平遠、高遠、深遠”,“平遠”類似于西方繪畫里的焦點透視,從高處往低處俯視。“高遠”是站在低處抬頭看前方迎面而來的高大山峰。“深遠”是借景步步移,層層推進,層層有奇景。都是由近至遠地觀察方法,這就說明中國古代繪畫很早就研究“空間感”了。一副好的山水畫,人看了會“身臨其境”,融入畫中,山水“造境”之法就是空間氣氛的營造之法。

二、中國山水畫的繪制是利用的散點透視

這跟西方的焦點透視觀察方法不一樣。古人創作山水畫不像今天畫畫的人要提著畫板,拿著紙筆對景寫生,這太局部。他們不帶任何工具,只是用紀游的方式到山中有眼睛觀察,用大腦記憶。把大山中的特征,美好的事物默記于心,回家通過描繪一些草圖創作出全景山水來。前面是一叢婀娜多姿的綠樹,參差不齊地長在幾處很有特點的土石之上,往后推移是亭臺樓榭和小院,院內有芭蕉數叢,假山怪異嶙峋,周邊有小橋流水圍繞。走到園后是一片幽竹和樹林,樹林間瑞靄穿梭縈繞至山腳。中間層次是一座座山脈相連,蒼翠雄渾,大山深處更有山居人家。最后舉目眺望,層云浮動,遠山若影若現,或高或低,猶若仙境。這就是借步移景法,空間的壓縮,用自己的體會來表現大自然,提煉出其精髓,師自然不完全抄襲自然,將大自然的規律和法則融入心中,用筆墨展現出山川云野的博大。充分展現了我國古人對繪事的奇思妙想。在《芥子園畫譜》中,樹法的第一講就是畫出樹的出枝空間關系,即“樹分四枝”,古人稱:畫樹必須分清陰陽相背,左右顧盼。我們可以理解為“前后左右”四個方向,用線條的穿插連斷,來表現樹枝的空間關系,精練凝重的線條經過墨色的濃淡變化,長短虛實變化,能概括出樹與大自然的空靈感。李成《寒林平野圖》中的松樹線條勾得蒼勁有力,墨色滋潤飽滿,將自然界所見的松樹化腐朽為神奇,其造型“奇”而不怪,“秀”而不薄,樹與樹之間相互倚讓,相互照應,表現出松樹的勁挺多姿和旺盛的生命力。古代畫家還把畫石頭的方法稱為“石分三面”,跟西畫不同的是,山水畫只用“勾、勒、皴”表現出了石頭的陰陽關系,西畫則用“黑、白、灰”的調子不斷塑造來完成。哲學可以根據客觀規律歸納萬事萬物的勢態及變化,科學是以嚴謹的態度來對待,中國畫和西畫

三、在特定的條件下就是哲學和科學的體現

這是“和而不同”。“樹有穿插,石亦有穿插,樹之穿插在枝柯,石之穿插在血脈。”這是畫石大間小小間大之法,層纍取勢即成大山。五代董源《夏日山口待渡圖》將丘陵以大小相間之法疊畫出了秀潤華滋的江南山。這種一望無際的空間,恐怕只有中國山水畫才能表現出無窮的魅力,這跟畫家的蒙養和氣度,闊達的胸襟相輔相成。“詩中有畫,畫中有詩”,中國古代的詩詞歌賦也展示了空間的浪漫。唐代詩人王維提出畫中要有詩的意境,詩里要有畫的無窮景象,《鹿柴》原文:空山不見人,但聞人語響。返景入深林,復照青苔上。短短幾行字,概括出了詩中山水畫的大氣局,使人構想出一幅林木深深的山中有行人往來,雖看不到,卻容每個讀者去想象的巨大空間。這個無形想象空間遠比人們在現實中看到的美景要廣闊得多,這么深厚的功力,沒有幾十年的積累是無法達到的,也體現了詩人在詩畫方面的稟賦和靈氣。同樣,書法也講究線條空間跌宕起伏的線條充滿了無窮大的氣息,篆書、隸書、楷書、行書、草書,雖然每種書體筆法形式不一樣,但是其空間布白之理想通,它的用筆線條需要千錘百煉,追求的是圓、厚、潤、暢,結體在嚴整的條件下,每一筆要用氣來完成,筆斷意不斷。橫、撇、豎、捺、折、勾是寫字的基本筆畫,當它們被氣連貫起來形成文字的時候就會出現空間布白來。由此類推,每個字與字之間也會形成空間,即所謂的行氣。所以一幅好的書法作品就有一種真氣充盈,其陰陽布白是由氣生成了讓人舒坦的空間感。宋代米芾的《蜀素帖》很能說明其中的道理,線條的粗細長短變化體現出通篇文字的豐富感,頓挫使轉的有力線條便產生空間氣息,隨意卻不失章法,用高山流水之勢直抒性情,大氣、個性、有條不紊。由一筆產生出的千萬筆,是時空轉換的過程,萬法歸宗,歸根還是一筆之氣。《石濤話語錄》第一章:畫者,眾有之本,萬象之根,一筆也是一樣,中國根深蒂固的哲學美學思想更多引用了老莊思想,將太極的陰陽辯證法運用到主觀審美中來,一筆一個太極,即一個空間。

四、在繪畫這個藝術大體系中

“空間”的運用只是南海一隅,它的妙用價值體現了跨地域、跨學科地共用性,其共用性又體現了各自的變數,在變幻莫測中尋找藝術家自認為個性的那個支點。技法可以成為程式來引導學者循序漸進地跨入圣殿的門檻,但每種博大精深的藝術形式都不以人的意志為轉移,其天人合一的“神理”體現了強大的不可逆性。順勢而生,上天總是會眷顧懂得付出的人,每個技法點都蘊含著深不可測的潛質,還有更多值得我們去深思、去實踐、去挖掘。

作者:吳曄峰 單位:無錫工藝職業技術學院

第2篇

論文關鍵詞:莊子,劉辰翁,評點

劉辰翁(1231—1297),字會孟,號須溪,廬陵人,曾大量評點過詩文,所著《南華真經點校》[①]是第一部真正意義上的莊子散文評點,開后世《莊子》散文評點之先河。與林希逸“條分而縷析”的批評方法不同,劉辰翁的評點較為靈活,主要是以直觀感悟、隨手批點的方法,運用生動形象而富有個性化的語言,向讀者揭示出《莊子》散文的藝術魅力。他說:“莊子文字快活,似其為人,不在深思曲說,但通大意,自是開發無限。”(《齊物論》)[②]其評點文字長短不齊,多則幾句,少則三言兩語,甚至一字,但語短情長,耐人尋味,很有啟發意義。正因為劉氏的評點表現為即興隨感式的,所以就顯得較為散亂,缺少系統性和理論性。再加上劉氏曾評點過大量詩文,又評點過小說《世說新語》文學藝術論文,因此其《莊子》評點受詩歌和小說評點的影響較大,在概念的使用上顯得豐富多彩,使人較難把握。如他在評點中常使用像“痛快”、“奇俊”、“灑脫”、“清麗”、“氣象”、“潔靜”等一類的詞,如果讀者缺乏一定的審美鑒賞經驗,就很難體會這些詞所蘊含的真正涵義。但劉氏畢竟長期涵容于評點鑒賞中,形成了自己獨特的審美趣味和審美標準,因此在評點《莊子》的過程中,這些特點又時時反映出來。仔細推敲其評點,可以發現劉氏主要抓住了《莊子》散文的以下幾個特點來進行鑒賞的。

第一,莊子善于描摹人物,敘述故事,體察物情,能畫出“不盡之意”。《莊子》一文塑造了眾多的人物形象,這些形象既有作者理想世界中的人物,也有現實中的人物;既有帝王將相,也有普通百姓;既有儒家圣人,也有江湖大盜;既有神人、美人,也有畸人、丑夫,各行各業、各種身份的人融匯在一起,儼然一幅形態各異的群生圖。他們各有性格,各有口氣,活靈活現,惟妙惟肖,充分展現了作者嫻熟的藝術技巧和表現能力。林希逸在《口義》中已注意到《莊子》散文這一特色,每一“畫筆”來稱之。劉辰翁繼承了林氏的說法,常以“畫意”來評論《莊子》。如《大宗師》篇謂駝背人子輿閑適得很,蹣跚地走到井邊照著自己的影子,他認為這“極是畫意”。《天運》篇謂“孔子見老聃歸,三日不談”,他認為這是在“畫馀意”。但劉辰翁又在林氏基礎上作了較大的發揮,他每每抓住莊子人物形象中最傳神的東西,將人物的性格特點及精神面貌傳達給讀者,以達到“若點眼睛便活”(《齊物論》)的效果。如在評點《逍遙游》“藐姑射之山有神人居焉”一段時說:“語其游,語其神,亦猶儒者氣象,可以想見。”便抓住了神人“游”和“神”的特征,從而將“猶儒者氣象”的神人形象揭示了出來,讓讀者去領會、體悟。在評點《齊物論》“南郭子綦隱幾而坐”一段時說:“三句畫子綦已盡,并與形骸之外者著之矣。”認為這幾句話不但將子綦的形象完整地勾畫了出來,更重要的是將他身體之外的東西也“畫”了出來。評點《養生主》“庖丁解牛”說:“寫得提刀四顧躊躇,亦覺此老神氣獨王中國知網論文數據庫。”林希逸最早對其藝術特征進行闡述說“畫出一個宰牛底人”。而劉氏的評點,更將莊子筆下的“庖丁”形象活靈活現地還原給了讀者,讓人覺得此人就在面前,言行舉動神氣活現,可謂傳神寫照、畫龍點睛之筆。劉辰翁還發現莊子善于運用符合人物性格的語言、動作和心理活動等描寫來刻畫人物形象。如在評點《人間世》“顏回見仲尼請行”一段時說:“看他寫出回口中語,不過二三十字,別是諄至貌惻。”認為顏回雖然只說了幾句話,不過二三十字文學藝術論文,但其敦厚的性格、憂戚的神態和內心活動已顯現出來。評點《德充符》篇“申徒嘉與子產”一段對話時說:“其為子產語,雖等閑杜撰,亦古意雅甚。”認為子產的話雖杜撰出來,卻有其時代特點,并與其地位身份相符合。當子產被批評得“蹴然改容”時,他評點說:“筆下寫出子產惝怳自失之狀”,子產的神態、心理活動躍然紙上,讀之不覺使人失笑。可見,劉辰翁是以評點小說的手法來評點莊子的。因此他在評點過程中經常將《莊子》與小說聯系起來。他批評人們說“從淺至深,句句是道,今人作小說看了,喜其文而已。”(《山木》)其實,劉辰翁也未嘗不這么做。他在《馬蹄》篇就一會兒說:“起語突兀,本是小說家。”一會兒又說:“小說家時時有之。”在《徐無鬼》篇更直截了當地說:“雖小小說,亦必有情致。”劉氏以小說評點的方式來評析《莊子》,無疑能揭示出莊子散文的獨到之處。

劉辰翁進一步認為作文如同畫畫,只將畫面畫出還不行,還要留有馀地,留出想象的空間,讓人讀之有不盡之意。他認為莊子在敘述故事、體物狀情時,常常能畫出“不盡之意”。他在評點《山木》篇“莊周游乎雕陵之樊,睹一異雀”一段時說:“作文如畫,畫者當留不盡之意,如執彈而留是也,此間妙意在捐彈而走。” 劉辰翁在這里指出,《山木》篇先寫“莊周”執彈而留守于栗樹之下,接著又寫他“捐彈而走”,終于沒有將彈發出,這正是《莊子》像畫家那樣“留不盡之意”。在評點《天地》篇“子貢南游于楚,反于晉,過漢陰,見一丈人”一段時說:“眼前事物,外意第雜,說亦不可及。抱甕之狀與橰之為物,曲折備具于其往復、俯仰、緩急,如忿然作色?Γ允巧猓諮醞狻!比銜鈾櫳吹惱庖還適攏嫦拭鰨次锎瘢宋鐠蜩蛉縞搖巴庖獾印保芏嗖瘓≈猓災痢八狄嗖豢杉啊薄S惺彼紙庵只安瘓≈狻背浦盎乓狻保紜短煸恕菲幸歡巍翱鬃蛹像跤鍶室濉保峁鬃穎煥像蹀陜浣萄盜艘歡伲崳燦小翱鬃蛹像豕椋詹惶浮繃驕浠拔難б帳趼畚模賴闥嫡饈恰盎乓狻保蛭蒜乓饣觶允刮惱賂右馕渡畛ぁS肓窒R菀謊乇鶼不丁鍍胛锫邸貳按罌猷嫫幣歡問榛獾奈淖鄭?

翏翏一語,便有描摸,其下不過山林二物,舉其概甚疏,雜以七八者字,而形與聲若不可勝數,妙在于喁一語,映帶前后皆活,重出愈奇,調調刁刁又畫中之遠景,形容之所不盡也。

很明顯,劉辰翁的欣賞視角與林希逸有所不同,林希逸認為此段文字是有聲詩,莊子居然能將“天地間無形無影之風,可聞而不可見之聲”畫得出來!而劉辰翁雖然也欣賞莊子“形與聲若不可勝數”的奇妙,但他卻以“前者唱于,而隨者唱喁”為更妙,認為此句語映帶前后,不僅使風之形象、情狀再度活靈活現地出現在人們面前,更重要的是帶出了后面“而獨不見之調調,之刁刁乎”一句,而此句是畫中的遠景,給人以朦朧縹緲之感,實是畫畫所要達到的最高境界,這是用語言所無法表達的,所以“形容之所不盡”。劉辰翁抓住“畫不盡之意”這一點來分析此段,無疑更具有藝術魅力。

第二,莊子的散文極有“味”。劉辰翁是以藝術鑒賞家的眼光對《莊子》進行審美觀照的,因此在他看來莊子的散文極具詩情畫意,含蓄蘊藉、富有意味,故劉辰翁每以與“畫”緊密聯系的“味”這個傳統的詩歌審美范疇來評價《莊子》。梁劉勰早在《文心雕龍》中就已使用“味”、“馀味”、“滋味”等概念來進行文學批評了。如他在《隱秀》中說:“使玩之者無窮,味之者不厭矣。”“深文隱蔚,馀味曲包。”在《聲律》篇中說:“聲畫妍蚩,寄在吟詠,滋味流于下句,風力窮于和韻。”在《體性》篇中說:“子云沈寂,故志隱而味深。”鐘嶸在《詩品·序》中正式提出了“滋味”說:“五言居文詞之要,是眾作之有滋味者也。”他批評玄言詩“理過其辭,淡乎寡味”,強調詩歌要達到“味之者無極,聞之者動心”的藝術效果。唐司空圖則在《詩品》中進一步提出了“味外之味”、“韻外之致”的審美理論。此后批評家每以“有味”、“無味”來品評詩歌,認為這是詩歌應達到的藝術境界。南宋以來,人們經常把詩歌中的一些批評概念引用到散文中,以此來豐富散文的鑒賞理論。林希逸開始使用“味”這個概念來品評《莊子》了。雖然用得不多,但很有啟發性。如他說:“筆勢如此起伏文學藝術論文,讀得透徹,自有無窮之味。”“雖然一轉,甚有意味。”認為從形式上說,莊子的文章技巧性很強,很有意味中國知網論文數據庫。“此數句極有味”、“此語尤有味”又認為莊子的語言韻味無窮,很值得人們細細品味。“味”更是劉辰翁在評點詩文時一個很重要的審美范疇。他每以“味”來品評詩歌:“絕句難作,要一句一絕,短語長事,愈讀愈有味為正。”(《唐詩品匯·歷代敘錄》)他更在林希逸的基礎上大量使用“味”來評點《莊子》。如他在《逍遙游》“堯讓天下于許由”一段下評點說:“設客以見主人,語有味。”《人間世》孔子教訓葉公子高時有“克核太至,則必有不肖之心應之”一段話,劉辰翁評點說:“此意人人曉得,只不似他能言,有許多馀味。”這里的“味”、“馀味”即語有不盡之意,也就是劉勰說的“馀味曲包”、鐘嶸說的“言有盡而意無窮”的意思。劉辰翁又以“味”來評價莊子的“譬喻”。在《口義》中林希逸每以“奇特”來贊賞莊子的譬喻,而劉辰翁更多的是品味莊子的譬喻,如《在宥》篇“云將東游過扶搖之枝”一段,他評點說:“解獸之群而鳥皆夜鳴,言物有不同而以類相感,人事皆若此,比為狐兔、松柏之喻,又有味。”認為以“狐兔、松柏”之類的比喻來說明治人的危害性,值得人深思,意味無窮。評點《外物》篇“胞有重閬”一段時說:“胞有重閬,直指空闕處也。室無虛則塞其竇矣。婦姑勃磎,狹路博則不得也。大山、大林見者畏其陰森,眩其廣莫,皆神者不勝耳。譬喻切近有味。”認為這些譬喻貼切自然而有意味。又在《則陽》篇“觸蠻之爭”的寓言后評點說:“以為實固無理,以為虛亦或可厭,最是以意實之,而其理確,然無不實。但見有味,愈廣而愈不厭也,讀者超然,愈有所醒。”認為此譬喻虛虛實實,很有味道,雖然作無限夸張,卻能使讀者超然醒悟。除了使用“味”、“馀味”外,劉辰翁還使用像“滋味”、“諷味”、“風味”之類的詞來評點《莊子》。如在《山木》篇“莊子行于山中”首段評點說:“極浮世薄惡之滋味。”在《徐無鬼》篇“吳王浮于江”一段說:“但譬已警,添董先生又高,未有無風味者。”這里“滋味”、“風味”是與“味”同一意義的審美范疇。在《田子方》“溫伯雪子適于齊”一段說:“規矩龍虎體狀得似,所謂嵬岸抑揚者,兩語深中人心,時時諷味不絕。得于人者,可以無怪,施于人者,可以戒之又戒也。”是說莊子刻畫得很具有諷味意味,能使人引以為戒。“諷味”一詞無疑很好地?得髁俗印柏獍迥鋇奶氐恪?

第三文學藝術論文,莊子散文又具有“奇”的藝術特征。林希逸在《口義》中曾多次以“奇”來評析《莊子》。劉辰翁繼承了林氏這一說法,也每以“奇”這個審美范疇來評點《莊子》。如《德充符》篇有語云:“物視其所一而不見其所喪,視喪其足猶遺土也。”他評之曰:“語奇。”是贊其用語之奇。《駢拇》篇有語云:“駢拇枝指出乎性哉,而侈于德;附贅縣疣出乎形哉,而侈于性。”他評之曰:“其所謂性,即所謂德也。其言扶疏,其字錯落重出,初非有意,亦非無謂者,故其所以為奇也。”是贊其用字之奇。《德充符》中有“王駘”一人,他評之曰:“‘王’字林作王天下之王固奇,只作王駘之王更奇。”是贊其起名之奇。評《列御寇》篇“鄭人緩也”一句曰:“個般起語,便是莊子撰得奇。”是贊其起語之奇。然而劉辰翁絕不認為莊文之“奇”僅限于這些細微的地方,他更認為《莊子》具有“意奇,文奇,事又奇”的多重審美特征。他在《齊物論》中評點“罔兩問景”的寓言故事時說:“影已無形之物,罔兩又非影之比也,寓又寓者也。意奇,文奇,事又奇中國知網論文數據庫。”《達生》篇有“祝宗人說彘”的寓言故事,是莊子讓祭祀官與豬對話,他評之曰:“玄冠說彘,皆奇事也。”在《大宗師》“夫藏舟于壑,藏山于澤”一段后又評曰:“兩‘藏’字已怪,又夜半又負走,何其奇也。”在劉辰翁看來,莊子這些令人意想不到的寓言故事,無不具有奇特的藝術魅力。而且他更以為像《齊物論》篇“莊周夢為胡蝶”、《徐無鬼》篇“郢人運斤成風”之類的寓言故事,更有出人意料的“奇又奇也”的美學特征。“夢覺齊人物、齊小大、齊是非、齊生死,齊盡在是矣,奇又奇也。”(《齊物論》)莊周夢蝶的一個小故事,居然無所不“齊”,真可謂“奇又奇”。然而,劉辰翁又認為,莊文之“奇”并不只是單一意義上的“奇特”,它具有豐富的內容和因素,因此他又以“神奇”、“怪奇”、“奇俊”、“奇詭”等具體意義的審美范疇來評論《莊子》。如《德充符》篇有語云:“刖者之屨,無為愛之。……取妻者止于外,不得復使。”他評之曰:“娶妻不使,本非以形不全,故經他變化,無不神奇。”意思是說娶妻者免除服役,與前文形不全沒有關系,但經他變化,前后意思聯系了起來,可謂“神奇”。《至樂》篇有語云:“支離叔與滑介叔觀于冥伯之丘,昆侖之虛,黃帝之所休。俄而柳生其左肘文學藝術論文,其意蹶蹶然惡之。”他說此事實在可稱“怪奇”。《天運》篇有語云:“風起北方,一西一東?有上彷徨,孰噓吸是?孰居無事而披拂是?”他說這里所表述的意思,實可謂“參差奇詭而近于物情”。《馬蹄》篇末謂馬因受到人為的約束而學會了盜智,他就指出這番話真可謂“奇俊”。劉辰翁將“神”、“怪”、“詭”、“俊”等因素引入到“奇”中,大大豐富了莊文“奇特”的思想內涵,也使《莊子》散文“恢詭譎怪”的特征得到了很好的揭示。另外,劉氏還認為,莊子在行文中能將平凡轉化為奇特,善于化“腐朽為神奇”。《徐無鬼》篇有“子綦有八子”的寓言故事,他評述說:“前所言,未奇也。雖鶉、牂語,亦未奇也。至盜刖之鬻之,則奇矣。”《徐無鬼》篇先謂子綦的兒子梱沒有任何功勞而有“將與國君同食以終其身”的征兆,這未足為奇;繼謂子綦父子“未嘗為牧而牂生于奧,未嘗好田而鶉生于宎”,這也未足為奇;及謂使梱去燕國,途中為盜賊所擄獲,“刖而鬻之于齊,適當渠公之街,然身食肉而終”,則奇矣。可見,莊文能從平淡無奇中轉出奇,劉氏的這一說法對于后人的文藝創作,無疑具有指導意義。

劉辰翁將詩論與小說理論的審美范疇引入了莊子散文評點,開啟了莊子文學研究的新紀元,對明清莊子散文評點產生了深遠的影響,值得今人重視。

[參考文獻]

[1]劉辰翁.南華真經校注.臺灣:嚴靈峰《無求備齋莊子集成續編》本.

第3篇

論文關鍵詞:格拉仄姆,布魯斯,爵士樂,寵兒

 

作為非裔美國黑人作家的代表,莫里森深受黑人傳統文化及歐美文化的雙重影響。她曾多次談論音樂的力量以及音樂對她作品的影響,并認為音樂是一種理想的藝術形式。無論從敘述手段或是思想內容而言,莫里森的不朽巨作《寵兒》處處滲透著她對爵士樂的自如運用和發展。

當黑人從非洲大陸被帶到美洲的那一刻起,貧困奴役的生活長期壓迫著背井離鄉的黑人們。1865年,雖然黑奴獲得自由,但他們的生活依然貧困潦倒,他們唯一可以依靠的便是自故土帶來的音樂,他們自娛自樂,吟唱自己的勞動號子、贊美詩、圣歌。黑人民間音樂遇上歐洲古典音樂,融合當時的流行音樂,創造出爵士樂的雛形。

19世紀末,拉格泰姆(Ragtime)盛行。拉格泰姆,稱為散拍樂,其主旋律數量不固定,演奏略帶即興。貧苦的生活使的拉格泰姆演奏者沒有機會學習到正統專業的樂理知識,但通過對歐洲音樂的效法,他們又嚴格按照音符節拍進行演奏。循規蹈矩又即興的演奏給聆聽者以節奏起伏的震撼,蘊含其中的掙扎表露無遺。

布魯斯(Blues)由人聲敘述,配以樂器伴奏,使演奏者與聽眾間形成微妙的溝通和情感的共鳴,其旋律憂傷纏綿,包含對世事的感傷和內心的痛苦,對生活與愛的向往和擺脫束縛的渴求。

“爵士音樂直接來源于布魯斯,它的特征也與布魯斯有聯系。爵士樂演奏者用樂器模擬演唱者的歌喉,風格和悲傷的情調…鼓勵演奏者形成自己獨有的風格,演奏者同時又是作曲家…便需要摻入演奏者的思想感情和演奏方式”(艾琳?索森,1983:420)爵士樂的曲譜僅有個輪廓,演奏者依據輪廓自由發揮。切分自由,演奏靈活,富于變化文學藝術論文,激發了爵士樂自由開放的曲風。

一、格拉泰姆式的掙扎

1.愛而弒之

奴隸制下,奴隸及其子女都被歸為奴隸主的私有財產,黑人女奴更被視為可再生產的一種工具。奴隸主往往已扭曲甚至喪失人性,將女奴當成是泄欲和繁殖新奴隸的工具。他們掌握奴隸的生殺大權,可以將奴隸買賣出租,儲存典當。在了無人性的奴隸制下孕育出的濃烈畸形的母愛成為小說《寵兒》的中心線,貫穿故事始終。奴隸制畸變原本偉大的母愛,使母親不得不用殺死孩子的極端行為來保護子女免遭奴隸制的侵害。塞絲對奴隸制充滿仇恨,但根深蒂固的奴隸制使她無法保護自己的孩子,為使孩子不被奴役,她唯一的辦法是殺掉自己的孩子,將他們送到安全的地方——上帝那兒。

殺死自己的嬰孩有悖人倫,殺嬰源于母愛更有悖常理。但發生在塞絲身上卻可以理解。塞絲她深愛自己的孩子,沒有孩子她就“無法呼吸”,她可以承受虐待毒打,卻不能原諒學校老師的侄子搶走她的奶水。奶水是唯一能給孩子的愛,“除了我自己的孩子,誰也不能再得到我的奶水。”她對孩子的愛毋庸置疑,但就是母愛將她逼入兩難的境地,沒有孩子她“無法呼吸”,若孩子繼續留在身邊,他們又將經歷她曾經的痛苦。她的“愛太濃烈”,她寧愿自己“無法呼吸”也要把孩子送往安全的地方。

2. 丹芙的矛盾情感

在塞絲逃跑途中,丹芙出生了。雖然過程驚險波折,但丹芙最終順利活下并健康成長。但塞絲的弒嬰行為使整個124號處于社會群體甚至是黑人群體的鄙視排斥中。外人的疏遠加上塞絲的過度保護,使丹芙完全與外界隔離,“沒有人跟我們說話。沒有人來。男孩子不喜歡我,女孩子也不喜歡我”。在家中,怨恨的鬼魂嚇跑了兩個哥哥。自從哥哥逃跑后,祖母整天沉迷于色彩研究,母親沉浸于對死去女兒的懺悔中。丹芙雖然在物質生活上衣食無憂,但在精神層面上,她卻從未被真正的關懷。她被家人忽略,被外界孤立。無窮的孤獨感使她將長期以來騷擾124號的鬼魂當作自己的唯一伙伴。這段一廂情愿的友誼看似詭異,但對于長期處在寂寞中的丹芙而言,那是唯一心靈的依靠。但是保羅?D來了,趕走了作亂的鬼魂,也趕跑了她孤獨世界中唯一的伙伴,他甚至將唯一還在乎她的母親的注意力也轉移了。被孤立的感覺使她將女孩寵兒當作另一精神寄托,她想要徹底得到寵兒所有的注意力。生平第一次,丹芙有了被需要、被重視的感覺。她將寵兒當作另一個自我。當她發現寵兒回歸的唯一目標是塞絲,面對越來越虛弱的母親,丹芙開始擔心寵兒會殺死母親。為了拯救母親,她走出124號,向社區人求救,最終趕走寵兒。

塞絲畸變的母愛及丹芙和寵兒間矛盾的皈依,矛盾又成其自然,向讀者展示了拉格泰姆式矛盾掙扎的風格。

二、布魯斯的憂傷

1. 西克索的悲劇

西克索是《寵兒》中不甚起眼的人物,但他卻是“甜蜜之家”男黑奴中一個特殊的存在,他是莫里森在《寵兒》中塑造的一個完美黑人的形象。莫里森形容他“靛青色的西克索長著火紅的舌頭”。靛青色是一種穩重沉靜的色彩,讓人聯想到廣闊深邃,但又不失孩童的天真。用這樣的詞來形容西克索實在恰當不過,西克索知道料理食物;知道作為人類追求愛的權利,他歷經千辛萬苦,只為見他那“三十里地女人”一面,“為了讓他的血統后繼有人”,“西克索是唯一不因渴望塞絲而癱瘓的人”。

西克索曾是溫柔沉靜的,而且說英語。在其他黑奴都甘于生活在“甜蜜之家”服從加納先生的統治時,西克索已經預知他們的未來不會美滿,現在的生活只是五彩泡沫。西克索深思熟慮、知識豐富。他們的逃亡是由西克索設計的,因為在每次和“十三里地女人”的約會中,他清楚記下了“甜蜜之家”以外的地形路線。只有西克索敢于質疑并反駁“學校老師” “定義屬于定義者,而不是被定義者”的觀點文學藝術論文,他無疑是一個善于雄辯、邏輯清晰的智者。

西克索的舌頭是火紅的。紅色是《寵兒》中大量運用的一個色彩意向。紅色之于不同人物擁有不同的含義,對于寵兒,紅色是死亡、暴力和奴隸制的殘酷、人性的血腥;對于保羅?D,是自由與勇氣的想往;對于愛彌爾是希望與光明。對于西克索,火紅的舌頭包含了正負面的所有情感。早期的西克索,對未來充滿渴望,他火紅的舌頭代表對自由的向往。逃亡失敗被抓時,他放任自己瘋狂,用火紅的舌頭唱歌大笑,西克索從不笑,“他平生只大笑過一次——在生命的最后一刻。”

西克索沒有堅持到最后,他最終仍被奴隸制摧毀。他不再說英語,這是對未來的絕望,亦是對英語這種白人語言的反抗。最終,他在大笑中被活活燒死。西克索微笑著迎接死亡,給人心酸悲傷的感覺。才為他自己乃至所有反抗非人性待遇的黑人保有了生的尊嚴。

2.貝比?薩格絲的含恨而終

貝比?薩格絲一共有八個兒子,雖然其他的孩子不是死了就是下落不明,但她還有最小的兒子黑爾陪伴在身邊。相比其他女奴,貝比?薩格絲無疑是幸運的。加納統治時代的奴隸們擁有相對稍寬裕的生活,甚至令黑爾可以出賣勞動力為貝比贖回自由身。

長期被奴役后突然獲得自由,貝比被這種突如其來的自由震撼了。獲得自由的第一件事便是改掉自己的名字。對于她來說,這是自由意識的實際象征。不僅自己擁有自由的意識,她還想要將這種意識傳遞給社區的其他人。她成為一個不入教的傳道師。她在“林間空地”布道,號召黑人熱愛自己,熱愛自己的身體。

然而,親眼目睹社區人的背叛與嫉妒,看著賽絲被迫殺死自己的女兒被警察帶走而她卻束手無策,貝比心中剛建立起的信念徹底崩潰。最終她選擇封閉自己,玩味無法對她造成任何傷害的色彩打發時間。終其死去,貝比也沒能擺脫心中的恨意,找回迷失的自我。

西克索從未笑過,唯一一次大笑,卻是在死亡之時;貝比?薩格絲擁有自由與自我信念的權利,卻被推進虛幻的色彩世界,含恨而終。對西克索和貝比而言,死亡不是結束而是解脫,是新的開始,但就是這樣不正常的死亡,現實而悲哀,傳承了布魯斯哀傷的風格。

三、爵士樂的開放

1.開放的結局

小說最后一字雖已完結,但情節卻似乎沒有完結。作者留給讀者一個全然開放的結局, 一個想象的空間:寵兒是否真的是塞絲的女兒;黑爾是否真的死去;塞絲最后是生是死,與保羅的發展又是如何。

寵兒的到來和離去都充滿神秘感,她沒有交代她從何而來,只說她從水里來,她的脖子“周長不足一個茶碟”,她的名字和塞絲為死去女兒墓碑上刻的名字一模一樣。種種跡象顯示她就是塞絲的女兒。推斷是如此,但小說卻又暗示她好像只是一個逃跑的女奴。關于黑爾,我們只知道他瘋了,失蹤了,臉上涂滿牛油和酸酪,自己在嘴上勒著鐵嚼子。我們甚至難以確定他是怎么瘋的,是因為看到了自己的妻子被,還是因為意識到自己作為奴隸的悲哀。他是活在世界的某個角落,或是已孤獨的死去。

對塞絲和保羅?D,小說的最后一幕定格在貝比薩格斯的病床上,塞絲在等死,保羅?D努力勸說,希望她回到過去。保羅走出自己迷失的內心,編織著未來屬于他們的美夢。但最終塞絲是否從寵兒離開的痛苦和殺死女兒的悔恨中走出來,并與保羅幸福的生活,都仍是未知數。

小說雖已完結,故事仍可持續文學藝術論文,讀者可以在反復閱讀中尋找想要的答案。開放的結局,不同的讀者心中自有不同的詮釋。這就是爵士樂開放自由的體現。

2.最后的解放

貝比?薩格斯,塞絲,丹芙是美國黑人女性在認識自我,尋求自我,塑造自我旅程上的三代標志性形象。貝比開始產生自我意識,并期望通過傳教的形式向其他黑人傳遞這一想法,但最終卻在深受打擊后崩潰,預示了第一代黑人女性尋求自我意識的失敗。

塞絲是個極富自尊的黑人女性。這或許可成為推動她尋求自我意識的內在特質。殺死寵兒后,她一直活在悔恨痛苦中,當寵兒到來之后,塞絲將已蠢蠢欲動的自我意識建立在寵兒身上。這是種危險的行為——自我意識怎能建立在她人身上。因此,當寵兒消失后,她好不容易才剛建立起的自我意識消失殆盡,第二代黑人女性自我意識的尋求也以失敗告終。

丹芙從未受過奴隸制的摧殘,雖然孤獨的環境造壓抑了她對自我意識的認知。但長期的寂寞鍛造了這個孤獨小姑娘勇敢堅強的內在。因此,為了保護母親,她的自我意識逐漸覺醒。在尋求幫助的過程中,她的自我意識逐步累積。成功趕走寵兒,保護了母親,她甚至還將去念大學,這昭示著第三代黑人女性的自我意識追求之路終于成功。

這種思想解放與開放的結局,體現了爵士樂自由開放的音樂特性。在成功地尋求自我意識變為可能之時,就是黑人女性甚至是整個黑人種族的民族意識得到解放之時。

爵士樂在非裔美國人心中的地位是崇高無可替代的。在深受爵士音樂特性的影響下,莫里森小說貫徹爵士樂發展三部曲的步調,從拉格泰姆掙扎矛盾性,到布魯斯的悲傷基調,直至爵士樂的自由曲風,在《寵兒》小說中處處有所體現。《寵兒》的思想內容與黑人爵士樂發展歷史的契合這一音樂特性,體現了莫里森對黑人傳統文化的熱愛,對黑人歷史的緬懷,也讓讀者體會黑人民族文化的獨特魅力。莫里森正是通過爵士樂的特點,向族人呼吁熱愛自己文化的同時,弘揚自己的歷史文化的。

[參考文獻]

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[2]艾琳?索森.袁華清,譯.美國黑人音樂史[M]. 人民音樂出版社,1983.

[3]騰金秋.黑人女性主義批評視野中的<寵兒>研究[D].山東師范大學, 2007.

[4]許曉萍.論《寵兒》中色彩的象征意義[J].宜春學院學報, 2010,1.

第4篇

中圖分類號:J525.1 文獻標識碼:A

盆景是一門特殊的藝術。它熔造型藝術和園藝科學于一爐,是以植物、山石為主要素材,通過立意、造型、布局、養護等藝術的和科學的手段,在特定的盆盎內構成立體景觀,以小中見大為特色。這門反映中華民族人文精神的傳統藝術,歷經幾千年的發展,幾近爐火純青的地步,但在藝術界和科學界的地位還有待提高。本文通過對1978-2008年當代中國改革開放30年間發表的以“盆景”為關鍵詞的學術論文研究分析,為把握今后中國盆景的學術研究方向提供參考。

一、研究概況

在中國學術期刊網絡出版總庫里,以“盆景”為關鍵詞進行檢索,在30年(1978年11月17日至2008年11月17日)里發表的文章多達2292篇。從發表年度來看,1979-1988年間發表的以“盆景”為關鍵詞的文章是130篇;1989-1998年間發表445篇;1999-2008年間發表1717篇。

但從其出版來源看,絕大部分發表于《花木盆景》、《中國花卉盆景》、《園林》、《農村百事通》等科普刊物上,占總量的90%以上發表于《河南林業科技》、《安徽農業科學》、《湖南林業》、《廣東園林》、《天津農業科學》等中級科技期刊上的關于盆景的文章不到3%;在《中國園林》(9篇)、《北京林業大學學報》(7篇))等高級學術期刊上發表的更是鳳毛麟角。在國外學術期刊上發表的盆景藝術論文較為少見,如作者在美國的《園藝技術學報》發表的論文[1]。

從研究層次來看,關于盆景的2292篇文章絕大多數為專業實用技術介紹、行業技術和職業指導,以及大眾文化和高級科普文章。即使包括科普類雜志在內,能夠歸屬自然科學基礎與應用基礎研究、工程技術和社會科學基礎研究、政策研究類的有關盆景研究的文章也僅占總數的7.3%,而且,這些研究文章僅有3篇獲得基金資助,分別是廣東省自然科學基金、上海市科技興農重點攻關項目和山西農業大學科技創新基金各一項,迄今尚未有國家級的盆景研究基金資助。。

研究生學位論文反映較高的學術研究水平。通過對中國博士學位論文和優秀碩士學位論文全文數據庫以“盆景”為關鍵詞進行檢索,結果表明,近30年(1978年11月17日至2008年11月17日)里,僅有5位碩士研究生以盆景為學位論文研究題材,其中,只有2篇是關于盆景藝術的;沒有博士生對盆景藝術進行專門研究。

我國盆景界的技藝交流和展會十分活躍和頻繁,然而,在中國重要會議論文全文數據庫里,沒有關于盆景的重要會議論文集收錄;只有在其他主題的重要會議中,檢索到8篇關鍵詞是“盆景”的學術論文,均是2000年以后召開的。

二、主要研究成果

(一)關于中國盆景的起源與歷史研究

賈祥云、賈濤、夏名采(2001)的研究結論認為[2],盆景藝術同園林藝術一樣,受中國傳統自然山水詩、自然山水畫的影響,追求詩情畫意和深刻的內涵。關于盆景形成時代,眾說紛紜,過去以唐代章懷太子墓的壁畫為依據,將唐代定為中國盆景的形成時期。但是經多年研究考證和新的考古發現,全面而翔實的考古材料證明了中國的盆景最遲在1500年前的北齊時代已經形成,并且已作為禮品向外賓贈送。據此,中國盆景的形成時代從唐代向前推進了一個半世紀。中國盆景藝術是世界盆景的源頭,對世界盆景藝術做出了重大貢獻。

韋金笙(2001)分析了中國盆景的歷史、流派及藝術欣賞意境[3],指出盆景是中國傳統的藝術珍品,歷史悠久,源遠流長。據現知考古、文獻記載,起源于東漢(公元25-220年),形成于唐代(公元618-907年),興盛于明清(公元1368-1911年)。盆景是以樹木、山石等為素材,經過藝術處理和精心培養,在盆中集中典型地再現大自然神貌的藝術品。

胡一民(1999)研究了我國元代盆景技藝,認為在中國盆景發展史中,有關元代的盆景技藝是一個研究斷層[4]。近十幾年來,國內外學者著述的盆景專著,對元代的盆景技藝幾乎都沒有深究,僅提及元代高僧韞上人的“些子景”而已,其根據是蒙族入主中源,崇尚武功,不重視文化藝術的原因所致。該學者查閱了有關史料,經對比分析,得出了與上述傳統觀點不同的結論。

李樹華(2007)對中國盆景的形成與起源進行了全面研究?[5],認為先秦時代以前(公元前221以前),隨著生產力的發展、生活水平的提高,作為盆景產生基礎的自然觀、陶瓷技藝、園藝栽培技術以及愛石風習已經形成;驗證了有關盆景起源的各種學說;概括了我國盆景藝術形成的過程,亦即盆景的形成先后經歷了原始先民的自然崇拜、昆侖神話與神仙思想、“一池三山”園林手法的出現、縮地術與壺中天、博山爐與硯山的流行等諸階段,到了漢代,盆景最初出現。

李樹華(2004)立足于古典文獻資料與繪畫作品,專門對我國梅花盆景的產生、發展與變化進行了考證研究,提出由于宋代城市經濟發展與民眾生活水平提高,促使賞花成為一種大眾時尚,文人盆景開始盛行,而梅花盆景最早也就出現于宋代[6]。同時進一步探明了我國梅花盆景流行地區的變化,梅花盆景制作技藝的發展以及各發展時期梅花盆景使用的梅花品種。

此外,李樹華(1997)也對我國明代末期五篇盆景專論進行了文獻分析[7]。在查閱有關資料的基礎上,對這五篇盆景專論的作者、收錄書藉、寫作年代以及主要內容進行了研究,進而探討了相互間的寫作關系、總結了當時盆景的名稱和主要植物種類,同時還提出明末的這五篇專論是我國盆景發展史上鼎盛時期園藝文化中的一筆財寶貴富。

(二)關于中國盆景的分類研究

唐貝(1987)根據中國盆景發展的現實情況, 博采眾家之長, 提出了五級分類系統, 即將中國盆景劃分為三類、五型、四個亞型、若干式、四個號[8]。根據盆景用材的不同,將其分為樁景類、山水類和樹石類。其中,樁景類分為自然型和規則型,再根據其枝干特征分為四個亞型,每個亞型中包含若干式。山水類又分為水盆型、旱盆型和水旱型,每個型下包含若干式。按盆景尺寸將其劃分為四個等級:大號為80-120cm、中號為40-80cm、小號為10-40cm、掌上盆景為10cm以下。

傅珊儀(1988)在探明盆景范疇的基礎上,將盆景分為植物盆景、山水盆景、壁掛盆景、組合盆景和工藝盆景五大類[9]。其中,植物盆景中分為樹樁盆景、叢林盆景、竹草盆景、插花盆景四類;山水盆景中分為水景、水旱景、旱景三類;工藝盆景中分為巖石盆景、樹木朽皮盆景、塑料盆景和石玩。

周政華和李懷福(2002)研究認為,中國盆景源遠流長,流派眾多,類型復雜,形式多樣[10]。長期以來,中國盆景的分類問題一直眾說紛紜,給中國盆景在科研、生產、評比、銷售、教學、著述、學術交流等方面帶來了一系列的爭論和麻煩,對中國盆景發展帶來了一些不利影響。因此,他們在研究了中國盆景的各種分類方法、中國盆景的現狀及發展趨勢的基礎上,提出并詳細論述了“中國盆景系統分類法”。該方法提出了“類――型――組――式――號――名”的六級分類體系,把現有的中國盆景分為三大類、七型、十六組、一百零一式、五號及不同景名。

明軍、廖卉榮、陳輝和汪敏(2001)研究了盆景分類的歷史和現狀,認為現有的盆景分類方法中存在著概念不清,分類標準、等級不統一等問題,并且提出了盆景分類的新系統[11]。該分類系統以主景材料作為第一級分類等級類的標準,分樹木盆景、樹石盆景、山石盆景和其他盆景4類;以干數、景型作為第二級分類等級型的標準,分七個型;再以干形,干姿,枝姿、峰數等因素為第三級標準劃分不同的式;最后將所有盆景按盆或山石、樹木的大小、高矮劃分成5個規格型。

(三)關于中國盆景藝術風格與流派的研究

錢安(1985)認為雖然我國盆景制作種類繁多,在長期發展過程中形成了眾多流派,但歸納起來,只有北派和嶺南派兩大派別[12]。并且從樹種選擇、造型與栽培養護和藝術構思等方面,比較了兩大流派的風格差異。

胡挺進、彭春生(2003)對盆景的風格因子進行了探究,提出盆景藝術風格是盆景藝術家的創作個性在作品中的外在表現,它對盆景藝術的發展起著很重要的作用,人們對盆景的感性認識直接來源于盆景的風格[13]。基于對藝術發展規律和中國各種藝術風格盆景發展歷史的研究,他們詳細論述了影響盆景藝術風格形成和發展的內在、外在因素及它們之間的關系,并對怎樣給我國盆景藝術注入新的活力提出了一些建議。

歐陽廣和梁廣茂(1995)總結了嶺南盆景藝術的發展狀況[14]。認為嶺南盆景是我國南方文化藝術一顆璀璨的明珠,歷來為城鄉居民所喜愛,早在宋代就已出現“嶺南萬戶皆春色”([宋]蘇軾詩)的景象,到了清代已是“風俗家家九里香”([清]屈大均詩)。改革開放以來,嶺南盆景更是身價倍增。首先是隨著城市賓館的崛起,高檔盆景隨同來自外國賓客,紛紛被請進高級賓館,代表中國古老藝術,陳列于賓客必到的客廳、走廊,參與迎接五洲嘉賓。其次是隨著對外貿易的發展,嶺南盆景作為中華藝術作品,倍受海外人士的青睞,紛紛飄洋過海,落戶五洲各國。第三是隨著我國南方城鄉居住條件的改善,嶺南盆景又紛紛走入千家萬戶,成為城鄉居民經濟、文化生活改善的一個明顯標志。第四是嶺南盆景藝術的研究機構、生產基地、學術團體、盆景展覽、學術討論以及盆景藝術出版物,有如雨后春筍,盆景藝術創作界和理論界,紛紛探索嶺南盆景藝術發展的新機遇、新起點,研究創新的途徑,追求時代的新目標。

曾雪宏(1997)對嶺南盆景進行了研究總結[15],指出嶺南盆景是我國園林藝術的一塊瑰寶,長期以來,嶺南盆景多在露天花園、陽臺、天臺供人欣賞。隨著國內第三產業的發展,賓館、酒店、寫字樓越來越多,嶺南盆景擺設在賓館大堂、室內會客廳,無疑是一件有生命的藝術作品,給人很高的藝術享受和熏陶。但嶺南盆景品種都是陽性植物,向來都是室外栽培,室內光線弱,相對濕度低,尤其在賓館、酒店空調環境下,對盆景觀賞期有很大影響,應當采取措施加以改進。

何少云和黃淑美(1999)從縱向的角度研究了嶺南盆景美學思想。指出受地理環境、經濟、技術和多種文化思想的影響,嶺南盆景美學思想具有自己的特征。嶺南盆景藝術是以形傳神,以神達意的[16]。

何應基(1990)在對嶺南盆景的研究中,歸納出一些盆景制作名家的個人風格[17]。比如以孔泰初為首的“蒼勁渾厚”風格,以素仁為代表的“清疏秀雅”風格,以陸學明為首的“蒼勁瀟灑”風格等。作者認為,雖然嶺南盆景有一般的結構模式,但由于各制作者風格各有不同,所以嶺南盆景無固定的絕對模式可尋,這也是其成功之處。

在各盆景流派的代表人物研究方面,吳錦勝(2002)對嶺南盆景代表人物素仁作了專門研究,認為其作品大膽突破了一般盆景所刻意追求枝無寸直的要求,勾勒出空靜圓滿的態勢,營造出寧靜的氛圍,同時調動一切可能利用的條件,來營造出靜境,讓人獲得安靜閑遠、心靈融合自然、遠離喧囂城市的美妙境界,閃爍著空靈的禪意[18]。

(四)關于中國盆景藝術審美問題研究

徐志苗(2001)認為,近20多年來,我國的盆景藝術在改革開放的春風春雨沐浴下,在深厚的民族文化土壤中茁壯生長,空前發展,不僅在數量上迅猛增長,而且也帶來了質的飛躍[19]。盆景理論的研究也比較活躍。盆景的發展需要理論導向。如果冷靜審視一下盆景理論研究的現狀時,就會感到理論研究還存在著嚴重的滯后性。

按照方志鵬(2003)的觀點,在當代盆景界,上至名家巨匠,下至后學稚子,都是以追求符合自然規律的“自然式”盆景為創作目標[20]。“自然式”盆景已形成一股主導潮流。對“自然式”的追求,給盆景創作提出了更高的要求。這是盆景藝術發展過程中的必然趨勢,也是盆景藝術由邊緣藝術或“準藝術”走向高等藝術的必由之路。

周武忠(1997)探討了在藝術與審美范疇內盆景的意義和特點。認為盆景是活的藝術品,具有現實的時空與藝術的時空的審美二重性[21]。中國盆景藝術的美可以從“美在物理,美在創造,美在奇丑,美在意境”這四個方面著手探討;欣賞中國盆景可概括為“觀”、“品”、“悟”三個階段,觀賞者在感受作品具體形象的基礎上,所產生的聯想、想象、移情、思維等一系列心理活動過程,才是真正意義上的對于盆景的藝術審美欣賞活動。

呂堅(1993)總結了微型盆景的藝術特色和審美價值[22]。認為微型盆景作為一種感情載體,突破了有限的空間,超越了外在素材和形象的束縛,極大程度地誘發了人們的想象。微型盆景的藝術魅力就在于此。

孟蘭亭(1995)研究了中國繪畫與中國盆景的關系,指出二者都屬于造型藝術,并且在構思、布局、造型、題名等方面也有著很多相同之處[23]。繪畫是在一定的尺幅上以筆墨寫出大自然的形象,盆景是在一定的領域內以樹、石、配件來塑造大自然的形象。二者可謂是異工同曲。盆景藝術和繪畫都講究意境。意境是藝術作品通過形象描寫表現出來的一種藝術境界,是藝術作品的創作最終目的,是作品的靈魂。要達到這個境界就要多研究中國繪畫的理論和領略大自然。中國繪畫創作,首先是“立意”,然后進行構圖。在這個過程中,要注意運用“三遠法”。一,高遠:自山下而仰望山巔,高峰林立,遠而且高,其勢突兀。山水畫用以表現山川雄偉、壯麗。二,深遠:自山前觀山后,曲徑通幽,“望之無窮盡,不知千萬重”。其意境重疊,盡頭別有洞天。既能表現景物的深度,又有遠的感覺。三,平遠:自近山望遠山,其意沖融,縹縹緲緲,給人以空洞的感覺。

黃映泉(1999)認為對盆景美學的研究應有其特殊的內容[24]。作為造型,它不但具備形體美(形式美),而且具備意境美(內容美)。它的素材是有生命的樹木花草,生機蓬勃,因而盆景又具有生命活力((生氣貫注美)。誠然,樹木花草這種生命活力的美屬于自然美的范疇,但盆景中的樹木花草由于有人的有意識地施加作用(藝術勞動和科學管理),所以盆中樹木花草的生命活力美就不是一般的自然美,而成為藝術和自然相結合的美,是滲透著自然美的藝術美。

李整軍(1990)較為詳盡地闡述了盆景藝術的美學特征,認為掌握藝術的美學特征對于創作和鑒賞藝術作品都有指導作用[25]。對美學特征認識的深淺,直接影響作品的創作和鑒賞。該學者認為,盆景藝術的美學特征有四項:一、藝術形象的不穩定性和可逆性;二、形象的直觀性與強烈的感情性;三、審美、實用的統一性和民族、地域的差異性;四、物質材料對形象創作的局限性。

賀淦蓀(1996)在對樹石盆景的研究結論中指出,盆景是以樹、石為主要用材,借以表現自然、反映社會生活和表達作者思想感情的活的藝術品[26]。中國盆景源遠流長,它以飽含詩情畫意、講求神韻和意境的藝術特色,聞名于世。主張動勢盆景的造型應該是“創意為先,以動為魂”,在深化單體造型的基礎上,沿著“樹石”、“叢林”、“組合多變”的方向發展。

徐志苗(2004)分析了盆景作品的三重性,指出盆景藝術作為一種文化形態的載體發展到今天,其普及程度、創作和理論研究深度都是前所未有的[27]。在大好形勢下,有許多問題需要冷靜地去思考、去探索。盆景藝術被稱為高等藝術,在眾多的藝術門類中為何獨高,自有其質的規定性。在紛繁的盆景家族中又如何權衡其高低雅俗,也需要有公允的價值尺度。

(五)關于中國盆景藝術的傳承與創新

蘭海波、肖建忠、張媛、鄭寶強、齊靖(2007)分析了果樹盆景的應用發展現狀[28],指出果樹盆景是盆景中的一枝新秀,通過對果樹盆景的發展優勢和存在問題進行分析,將植物生長調節劑在果樹盆景植物培育中的應用大致可歸納為快速培育、矮化和整形及促花保果等幾個主要方面,并列舉了一些植物生長調節劑在盆景制作中的應用實例,著重介紹了生長調節劑在延遲果樹盆景植物落果方面的研究進展。

覃超華(2001)對“盆景不超一米二”的傳統說法提出質疑,認為盆景體量的增大,是一種創新[29]。大型盆景同中、小型盆景一樣,都是運用“縮龍成寸”、“以小見大”的藝術手法概括反映自然。大型盆景突破了傳統盆景個體體量的框框,它仍然遵循盆景創作的基本法規,仍然具有盆景的所有特征。所以,它同一般意義上的盆栽、園林綠化樹有質的區別,它是盆景藝術的范疇。

方志鵬(2003)對“傳統”、“規則式”、“繼承傳統”與“創新”等概念作出自己的詮釋,提出“繼承”的目的就是為了“創新”[30]。并且從四個方面分析了盆景藝術創新的動力:首先,隨著外來文化的融入,新的創作理念必將出現;其次,隨著創作者素質提高,盆景創作的匠氣將會減少;第三,隨著科學技術的提高,盆景制作與養護將更趨完善;第四,隨著創作者的探索,表現形式也將更加豐富。

周武忠(1988)對懸掛式盆景進行了系統的總結和評價,認為這是在盆景藝術形式上的大膽創新,也為盆景藝術在現代室內裝飾藝術中的普及運用提供了更廣闊的空間[31]。它一般由兩個部分組成, 即壁掛和盆景。壁掛的取材十分廣泛, 常見的如陶瓷盆、竹編、畫框等。壁掛的大小、形狀和色彩都要與組合的盆景相協調。“ 盆景”仍是懸掛式盆景的主體, 但由于懸掛的需要, 不僅所用的容器更為玲瓏精巧, 而且盆中植物的造型要求亦更為講究, 要符合“畫的構圖”。

三、研究展望

早在1989年,著名盆景藝術家耐翁就呼吁盆景的學術研究[32]。他認為盆景藝術家是中國盆景事業的中堅力量。在盆景事業迫切要求進一步發展的今天,盆景藝術家必須真正地具有實踐經驗和理論成果,并有端正的藝術道德、高超的藝術風度和嚴謹的治學態度,從而切實發揮應有的社會作用,以獲得社會的擁護和尊重。當前,盆景藝術家所承擔的使命首先是應大力提倡學術研究。這是提高和發展盆景事業的主要手段,我們的方針是在研究中有所發現、有所發明、有所創造、有所前進。

生活是藝術的源泉,藝術應該反映生活,作為形象藝術的盆景也應如此。而作為盆景創作者的藝術家們不僅僅要用作品反映大自然的壯麗景觀和人們現實生活,更要在新的社會條件下積極探索和總結盆景藝術的理論和實踐經驗,特別要善于運用新材料,吸收新技術,尋找新題材,反映新生活,創造新形式,為傳承和創新我國盆景藝術提供正確的理論導向。只要盆景藝術家們將創作中豐富的想象力和創造力同樣投入學術理論研究中,必然會積累和產生豐厚的理論成果,這些理論成果必將孕育出更多反映現實生活的優秀作品。

回顧中國改革開放30年來盆景藝術的發展歷程,展望21世紀的中國盆景藝術前景,我們充滿信心,因為在新的世紀里是人材輩出、藝術繁榮的時代,只要我們在“雙百”方針的指引下,不斷進取,中國盆景藝術還將在世界藝壇上展現出強國的風采。(責任編輯:楚小慶)

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第5篇

立足校園實際,創建融入民間藝術元素的校園環境

1.民間藝術展廳。踏入校園,你就能發現這座校園就是一個巨大的民間藝術展廳,就會被帶入到神奇的民間藝術世界中。教學樓每一個樓層的走廊里每個年級都有自己年級段的特有民間文化。一年級的長廊里是民間折紙藝術展示,櫥窗里布置的都是和折紙藝術相關的,有圖片欣賞,有折紙的方法演示,但更多的是一張張用普通的彩紙通過一雙雙靈巧的雙手折成的活靈活現的小動物、植物等形象。二年級的走廊里是一幅幅活靈活現的京劇臉譜,有黑臉的包公、紅臉的關公、白臉的曹操、藍臉的竇爾墩……形象生動、色彩鮮明的臉譜形象緊緊吸引了孩子們的注意力,簡潔扼要的介紹也起到了潛移默化的作用,為孩子打開了民間藝術的寶庫。三年級的走廊里是蘇州的亭臺樓閣、小橋流水人家,還有許多相關的蘇州方言介紹,對于許多外地孩子來說也充滿了吸引力。四年級的走廊里是一些民間文學作品,如《九色鹿》《后羿射日》《哪吒鬧海》《十二生肖》《寶蓮燈》《磨杵成針》等,學生在空余時間隨時可以進一步感知民間傳說、神話、童話故事中的角色形象,增強對民間故事所蘊含的民族文化精神的感悟。五年級的走廊里則是民族樂器的介紹與圖片欣賞,二胡、揚琴、竹笛、琵琶、三弦琴等讓孩子對我們民族樂器及民樂有所了解。六年級的走廊里是民間美術介紹,彩泥塑、剪紙、編結彩繩、十字繡、創意布貼畫……不但增添了美感,更因為學生都參與其中,展出了自己的作品,讓他們對民間藝術更有興趣了。這些民間藝術元素時刻吸引著學生在自由活動、餐后散步等空余時間自主地欣賞、回憶相關的經驗,并不時喚起學生參加民間藝術活動的興趣。2.民間藝術專用活動室。我校的民間藝術專用活動室主要用于小盤龍藝術社(調色板美術組、小盤龍民樂隊)、小盤龍民間文學社團、小盤龍科學院、小盤龍奧體中心、小盤龍民俗文化研究所等社團活動的開展。各活動室環境的墻壁上方展示的是傳統手工的現存形態,下方展示的是具體教學活動中學生的作品,這充分體現了文化的傳承性。3.民間藝術宣傳窗。民間藝術宣傳窗的創立將成為我校開展民間藝術教育過程中與家長、社區溝通與合作的一座橋梁,也成為學校指導家長、社區科學開展學生民間藝術教育的重要途徑。我校的民間藝術宣傳窗定期向家長或社區介紹、宣傳民間傳統節日習俗(如春節、中秋的來歷和慶祝習俗等)、民間藝術作品內涵及民間藝術信息、學校民間藝術活動情況、學生民間藝作品等有關內容。圍繞學校特色,凸顯具有民間文化氛圍的班級環境走進班級,你也很容易捕捉到課程內容與民俗文化的相互滲透。班內環境不論從色彩還是主題內容都根據學生年齡特點來設計的,更多的是體現學生的自主參與。各班環境除了從整體上體現民間藝術氛圍外,還特別重視各班民間藝術特色活動區域的創設。如一年級側重紙工,二年級京劇臉譜,三年級是民間傳說、神話等書籍,四年級是布貼畫,五年級是十字繡,六年級可以是自制的民間體育中的道具,也可以是在傳統民間體育器材上的改進或小發明。在興趣課上提供學生進行民藝活動的操作材料,學生可以隨時看、玩、說、想、做。這樣有利于引導學生更適宜、更廣泛積極地參加各種民間藝術特色活動。教師引導啟發學生用畫筆展現不同人物的臉譜,激活學生參與的興趣。展廳的創設為學生提供了展示、欣賞自己的舞臺。學校創設的環境具有教育的空間,進一步激發了學生參與民間藝術活動的興趣和愿望。

深入開展民間藝術教育活動

1.挖掘民間藝術教育資源,建構課題研究框架。為了使課題研究更符合兒童的年齡特點,彰顯學校特色,我們認真做好課題研究的前期準備工作,通過考察、訪問、開展活動等形式,從報刊、雜志、書籍、網絡上查閱與本課題相關的研究資料,并將收集到的各種資料進行整理,在此基礎上根據學校實際和活動的可操作性進行合理的篩選。最終確定以民樂、民體、民間手工藝為切入口,“以藝立德、以藝促智、以藝健體、以藝冶情”。2.加強校本研訓,探索校本課程開發和教學方式。(1)開設民樂課。根據本校的實際情況,民族器樂教學的特點,各年齡段學生的心理、生理特征和發展規律,我校以五年級為試點年級,選擇五(1)、五(2)兩個班級作為試點班級,將笛子、琵琶教學納入他們的興趣課程。二年級試點班級每周一節音樂課進行揚琴教學,為學校民樂隊的發展提供了保障。(2)開展民間游戲活動,充實學生每天的生活。將民間體育游戲校本教材列入體育課教學拓展內容,在體育課上加強學練指導,開展多種形式的活動以滿足學生學練的需求。體育課、大課間活動、興趣活動課等到處都能看見孩子們跳繩、跳皮筋、踢毽子、滾鐵環、打陀螺、走高蹺、跳房子、投沙包的身影。我們的小盤龍舞龍隊還特意外聘了蔣逸夫老師進行指導,定期在周四中午活動,有專門的服裝,逼真的彩龍,有鼓手,有替補,在各類大型活動中演出都特別奪人眼球,讓人為之振奮。這些活動充分愉悅了孩子們的身心,提高他們的集體意識、合作能力、社交能力和意志力。(3)感受地方手工藝特色,提高學生表現美、創造美的能力。我們根據區域特色,除了充分挖掘在職老師在民間工藝方面的潛力,在興趣課開設了捏粘土、剪紙和快樂調色盤等課程,還特意外聘了蘇州著名的民間剪紙藝人章維偉、棕編藝人徐榮興。每周二中午兩節課的固定時間的學習,興趣組的孩子們通過欣賞、制作等多種活動,充分感受到蘇州地方手工藝活動獨有的特色。簡單的創作活動,不斷提高學生表現美、創造美的能力。學校還構建民間藝術進課堂的課程體系,探索其教育模式。在藝術、體育、班隊、興趣小組、綜合實踐課程等有關課程中滲透民間藝術元素,提高學生的人文素養。(4)編撰民間藝術相關知識的校本教材。我校編撰了民樂教材《初學揚琴》,主要介紹揚琴的歷史發展、構造及發音原理、音色特點、演奏方法及各種演奏技巧,并推薦欣賞有代表性的揚琴曲若干首。同時,從眾多的民間體育游戲中篩選出適合小學生活動的項目,編寫了《有趣的民間體育游戲》。從游戲的起源來歷、玩法技巧、游戲規則等來介紹民間體育游戲。(4)師資隊伍建設。①進一步更新教師的教育觀念,改變當前的課堂教學研究方式,建立合理的民間藝術課堂生活方式,追求有效、開放、合理的結合。“有效”保證了學生能夠收獲課堂效益;“開放”在于追求學生素質的全面發展、長期發展;“合理”,要求教師能夠發現、運用課堂教學的規律。②提高民間藝術教師基本功,要求教師通過活動,提高業務素質,并力爭能夠取得突破性的成績。積極組織教師參加各級評比,通過參加活動,提高業務素質,并力爭能夠取得好成績,全面提高教師職業素質。③以科研課題為依托,建立一支有一定科研能力的科研隊伍。通過定期的課題交流,形成科研氛圍,推動廣大民間藝術教師整體發展。④鼓勵廣大教師立足于自己的教學實際,加強理論學習,撰寫出高質量的藝術論文,力爭取得突破性的成績。3.開展課外、校外民間藝術教育活動。首先,學校將整體規劃好民間藝術教育活動,通過豐富多彩的“民間藝術社團”活動,豐富學生的業余生活,陶冶學生的藝術情操,激發學生的藝術興趣,提高學生的藝術素質。其次,建設好學校的民間藝術隊伍,將平時的培優工作做到位,打造優秀節目,作好參賽及表演準備,如校園民藝節、民間體育節、民間手工藝展示等活動。學校將繼續打造特色,及時發掘亮點,不斷深化內涵,加強與社區的交流,擴大社會影響,讓民樂、民間工藝走進社區,既豐富了社區的文化生活,又爭取了更多的社區認同和支持。讓孩子們走進街道社區、敬老院等,在展示自我的同時得到鍛煉,在活動中培養學生的藝術交往能力、信息處理能力,培養開放的個性和健全的人格。我們將不斷完善對學生的民間藝術教育內容,對民間藝術教育資源的功能進行深入挖掘,形成比較完整的校本特色課程體系,為傳承與弘揚優秀的民族文化和民族精神做好奠基工作。

作者:吳美華 單位:江蘇省蘇州市盤溪中心小學

第6篇

關鍵詞:中國畫;色彩;傳統繪畫;顏料;文化;美學特征

中圖分類號:J206.3文獻標識碼:A

On the Application of Colors in Traditional Chinese Painting

LI Jun

(College of Fine Arts, Shaoxing University, Shaoxing, Zhejiang, 312000)

綜觀東西方繪畫的源頭,無論是從“舊石器時代”晚期法國和西班牙先民創造的原始洞窟壁畫藝術還是遍布中國大江南北的原始巖畫看,色彩在繪畫中的應用年代最早可以推至四至兩萬年之間① 。但從色彩使用的理念上一開始就已經凸顯出東西方繪畫的分野,以阿爾塔米拉洞窟《受傷的野牛》為例,先民們以有限的色彩(紅、黃、褐、黑等)進行明暗暈染,使其作品具有體積感和氣運感②。而從中國云南、廣西等地現存的大量原始巖畫看出,東方的先民們也是用同樣有限的色彩描繪大自然和他們的生活,但是使用色彩的理念和方法卻大相徑庭,他們將色彩在巖壁上或平涂或勾線,以符號化的方式塑造形體,以簡潔、流暢的語言記錄生活或表達美好理想。但是原始巖、壁畫,受自然條件和審美理念所限,色彩的開掘和使用也僅僅是個端倪。

真正意義上的繪畫自從人類進入封建社會到今天的輝煌已經走過了五千年的歷史,在這個漫長的過程中,色彩的產生和使用,以及它在繪畫的每個階段中所具有的特殊使命卻不僅相同。相比較西方繪畫(特別是文藝復興以后),不了解中國繪畫哲學的人對中國繪畫色彩的使用有“不科學”的嫌疑,孰不知中西繪畫在最原始理念上造就存在根本的區別,所以色彩在繪畫中的使命也就有了根本的不同。但是存在這樣一個事實:中國先民在數千年的藝術長河中,在追求審美理想的同時已經完善了具有東方文化特色的色彩體系,有整套非常嚴謹的制色和用色方法,正因為有了這一嚴謹和科學的色彩體系,才給我們留下的非常燦爛的文化遺產。像敦煌石窟、永樂宮壁畫藝術和難以計數的優秀的卷軸畫藝術和民間繪畫藝術像璀璨的明珠閃爍在世界藝林當中。

繪畫進入文人畫時代后,有關于傳統“色彩學”的文化遺產在以“水墨”為主流的畫壇中出現了嚴重的“丟失”現象。我們在欣賞古代繪畫優秀名作的同時,談到傳統繪畫的色彩和相關材料的使用方法時,很少有人敢于問津。更讓人扼腕痛惜的是,我們所丟失的文化遺產在日本國完全能找到答案③。中國繪畫傳統顏料的制作技術與使用方法隨著大量漢文化的輸入已經轉換成了日本的傳統文化,并且得到了長足的發展。眼下國人所使用的借鑒國外經驗生產的錫管顏料雖說方便,那也只不過是比較粗制的代用品而已,顏料本身的品質與傳統相比,相去甚遠。國人對繪畫程序的簡單化,更是讓人擔憂。我們給后代留下什么樣的藝術遺產,從繪畫材料的角度分析,能經久多遠,應該是到了引起中國繪畫界廣泛關注和深思的時候了。

一、傳統色彩在中國繪畫中的地位變遷

從視覺的角度觀察,自然界的外表是由多種復雜的色彩構成的。自然界中的色彩本身對人的感官有特殊的刺激作用,這種作用充分表現在人對色彩的一種情感偏好,反過來又形成人的聯想,這就是人類對自然色彩的美感體驗。中國繪畫中的色彩使用受傳統“太極”學說中“五行”和“陰陽”思維的影響,從而產生具有東方民族特征的用色理念。“中國五行學說中就有青為木,赤為火,黃為土,白為金,黑為水之說;在運用墨色時又有濃、淡、焦、濕、干之說,這些都體現出五行學說與中國畫發展的直接關聯,并以此影響了中國畫家對色彩的認識,形成‘五色’觀念。”④ 王微在《敘畫》中的“綠林揚風,白水激澗”,就是通過對自然中的“綠”和“白”的體驗而產生的主題意境。新石器時代的彩陶藝術和巖畫藝術是人類在勞動過程當中創造的第一批藝術作品。拋開它的造型,就裝飾效果而言,色彩的地位是至高無上的。由于生產力的低下,人們只能就地取材,用紅色鐵礦土、白色堊土、黃色泥土和黑色木炭等“顏料”在彩陶上和巖壁上描繪他們對大自然的體驗,同時表達他們樸素的愛美情結。

真正談到具有繪畫意義的色彩,要推到漢唐以后了,從考古發掘的河南洛陽西漢墓室壁畫《鴻門宴》、河北密縣東漢壁畫《百戲飲宴圖》和長沙馬王堆出土的西漢墓室帛畫中可以分析出除以上色彩以外還有紫色、赭石、綠色、藍色等,色彩品種增多,質量也有所提高,并且膠礬粘和的技法也已形成。專家在考察西漢墓室“T”形帛畫的用色時發現:“顏色錯綜調配,所用主要是朱砂、石青、石綠、白粉等礦物顏料,其中也有植物顏料……,色調搭配上,無不經過匠心設計。最突出的是顏色的間隔使用。”⑤帛畫在色彩應用上主要以平涂為主,間有不同深淺的同類色,并且開始用比較豐富和厚重的色彩表達一定的主題。從而可以得知繪畫顏料的研制和使用在漢代已經奠定了堅實的基礎。

漢以后隨著佛教的傳入,在新疆克孜爾、甘肅敦煌、天水麥積山等地興盛佛教壁畫,伴隨著佛教的傳入,境外佛教繪畫藝術和制色工藝也隨之傳入,促使中國繪畫色彩從研制到使用進入了空前輝煌時期,加上本土工匠的智慧,極大的豐富了中國繪畫的色彩表現空間。南、北朝時期,在壁畫中以石青、石綠為主要色彩,同時以胭脂、靛藍、草綠等植物色作為輔助色彩。所以,整個畫面表現出濃郁的冷色調。隋唐時期的壁畫色彩種類較多,表現技法靈活多變,色彩的應用在佛教壁畫中進入了全盛階段。另一方面從發掘的唐代墓室壁畫的資料中分析,除了石青、石綠、赭石等礦物色外,朱砂、石黃也已出現,而且在應用當中出現間色和色彩的深淺變化,還有暈染、渲染等染色技法。

唐代張彥遠在《歷代名畫記》中描述了多種顏色的名稱及產地:“武陵水井之丹,磨磋之砂,超之空青,蔚之會青,武昌之扁青,蜀郡之鉛華,始興之解錫,研、澄汰、深淺、輕重、精,林邑昆侖之黃,南海之鉚……煎并為重彩,郁而用之。”著名畫家劉凌滄先生對此有這樣的描述“……從純色的品種論之,也不過九種,但由于畫家的技術精進,各色互相配合,出現了‘間色’、‘復色’和‘鄰接色’,色彩的情調豐富起來了。現存的作品如張萱的《搗練圖》、《虢國夫人游春圖》(宋趙佶臨摹)莫不絢麗多彩、明快協調,呈現出綺麗的風姿”⑥。除此之外,從現存唐代閻立本的《步輦圖》、五代顧閎中的《韓熙載夜宴圖》、宋代趙佶的《芙蓉錦雞圖》、王希孟的《千里江山圖》以及大量的宋人花鳥畫等重彩畫作品中可以看出,雖然中國繪畫以勾線染墨為基礎,但是色彩在繪畫中的地位是至高無上的。明代的楊慎在論及中國繪畫的顏料類別和施色方法時說“色彩有七十二種之多。”五代畫家荊浩說:“紅間黃,秋葉墮。紅間綠,花簇簇。青間紫,不如死。粉籠黃,勝增光。”關于色彩在繪畫實踐過程當中的審美體驗,在隋唐、五代已形成比較樸素的共識。

由此可見,剔除或弱化色彩的唐代繪畫,將是無法想象。唐、宋應用色彩在繪畫中取得的成就在美術史上可以稱得上非常壯麗的藝術篇章。謝赫在“六法論”中提出的“應物象形,隨類賦彩”在唐宋繪畫中得到了具體的貫徹。

在以宮廷和民間畫工用色彩體現絢爛的唐宋繪畫達到盛極的同時,另外一個以水墨為基本語言的士人繪畫階層已經醞釀成型。詩人王維將詩意融入繪畫,提升了繪畫的審美層次,同時也引發了新的畫派的產生。自宋元起,大量士人參與繪畫創作,使中國繪畫面貌發生很大變化。士人的參與,使繪畫不再具有“成教化,助人倫”的社會功能,同時也不再充當統治階級用來粉飾太平的工具,而是畫家借繪畫中的物態來達到“抒情言志”的目的。在這個轉型過程中,文人畫家為了方便于“抒情達意”,往往簡化傳統繪畫的“煩瑣”程序,從繪畫理念到工具材料的選用,再到作畫方法等,都以方便于“寫意”為前提。其中,遭到重創的是中國繪畫的色彩體系,文人對色彩的偏見,受老莊“色能亂性”、“五色令人目盲”等學說的影響,所以選擇水墨體系將是最恰當的選擇。文人畫在元、明、清三代占據中國繪畫的主流,從藝術發展的潮流來看,文人畫在繼承傳統繪畫精髓的基礎上,融詩詞、書法、金石于一體,在世界藝林當中創造了中華民族獨特的審美形式。但是過分地關注水墨、貶低繪畫的其他形式,導致重在色彩表現的宮廷繪畫、民間繪畫逐漸邊緣化,傳統的制色工藝和獨特、嚴謹的作畫方法經過幾百年的衰變,現已幾乎完全失傳。

在文人畫盛行的元、明兩代,民間工匠為中國繪畫做出的最大貢獻要數建于元泰定二年(1325年)的山西永樂宮道觀壁畫和建于明正統四年(1439年)的北京西郊法海寺佛教壁畫。如果說敦煌莫高窟壁畫融會了西亞健陀邏藝術的風格形成了自己的色彩體系,那么,永樂宮、法海寺壁畫則應該算是純粹的“中國式”壁畫藝術,其色彩的使用完全遵循中國的繪畫范式。永樂宮壁畫采用重墨勾線,重彩厚填法,合理使用多種天然礦物質顏料,并且創造性地使用了“堆金立粉”、“雕金”、“撥金”等技法,既使畫面整肅大氣,又盡顯繪畫材質本身的美感。法海寺壁畫相比較永樂宮更加精致富麗,采用勾填與勾勒相結合、厚涂與薄染相結合的方法,繪制工整細膩的程度堪稱民間工筆重彩畫的最佳代表。

二、中國傳統繪畫色彩學研究的迷茫與東瀛繪畫材料學研究的繁盛

中國繪畫色彩的研究在整個清代處于一種停止狀態,繪畫色彩的使用范圍主要集中在民間寺廟道觀的壁畫和建筑裝飾當中。以后,資本主義萌芽開始在我國東部沿海城市出現,伴隨著國門的打開,國外的繪畫材料不斷輸入市場。進口顏料相比較我國的傳統顏料,由于使用了合成色技術,所以色彩的種類比較多,同時也方便使用。但是進口顏料或其他錫管顏料只能是一種代用品,除了方便使用以外,其品質與傳統顏料相比相去甚遠。中國傳統顏料主要以石青、石綠、朱砂為主,這些顏料品質優秀、在各種環境之下都能保持其本色,穩定性極強。傳統色彩在繪畫中的地位是有目共睹的,但由于取材于天然礦藏,原材料的采集量十分有限,加工廠家的成本高,產量低,另外價格極其昂貴,所以導致絕大部分畫家很少問津這個領域。另外,傳統礦物質顏料在使用過程中必須要有一定的成熟經驗和嚴密程序,比如膠礬的使用、支持體的制作以及與植物色的結合等等,實際上是一個非常完整的系統的工程,這個工程的“煩瑣”讓一般畫家望而卻步。當然還有一個不可忽視的原因是畫家對傳統顏料的概念沒有足夠的認識。致使傳統繪畫的色彩沒落到幾乎無人知曉的極點。

“日本繪畫是在通過朝鮮半島傳入日本的中國北魏佛教帶進的大量其它中國文化受其影響而形成的,在相當長的一段時間里,以莊重、協和美為特色的追求也就構成了日本繪畫無形中的理論核心。”⑦ 日本早年的繪畫與中國沒有太大區別,因為日本在晉唐時期的文化交流中完全繼承了中國繪畫的傳統。在繪畫原材料的使用上與中國毫無差別,而且像石青、石綠、朱砂等的產地仍然在中國,甚至連名稱都沒改變。他們非常重視研究和保護中國傳統繪畫的色彩學體系以及程式化的使用技法。在中國水墨畫興盛的很長一段時期,他們對傳統顏料的加工制作和繪畫技巧的研究方面一刻也沒有停止過,并且有了長足的改進和發展。

相比較中國,日本的顏料礦藏相當匱乏,但是為了保持傳統繪畫使用粉狀顏料調膠的特色不變,他們在向世界各地尋找礦藏之外,用高溫結晶的辦法產生與天然礦物質顏料相類似的代用品,其品質高貴,而且品種多達百十種,這是對傳統繪畫顏料的極大補充。

另外,箔產品的研發、支持體構造的不斷改進、黏合劑的合理使用等因素單從繪畫的制作方面保證了作品中色彩品質的充分展示。近年來,中國繪畫界的有志之士,從理論研究的角度出發,開始思考這個問題,試圖在流失多年的傳統繪畫的色彩方面重新打開一個門戶,雖然起步較晚,也沒有真正找到研究的方法和途徑。但只要我們面對現實,不恥于向他國學習和民間學習,中國繪畫傳統色彩定會重放光彩。

三、解析繪畫顏料的制作傳統,拓展適合現代繪畫的色彩空間

在當今畫壇中有關于中國傳統繪畫色彩的研究尚處于十分薄弱的初級階段,早在20世紀五、六十年代,中央美術學院王定理先生結合自己幾十年的考察、調研、教學和實踐經驗,參考古代畫論中的對中國繪畫用色的相關述論,編寫過一冊《中國畫顏色的運用與制作》,對后期的同類研究,具有一定的指導意義。今天要談色彩的開拓與發展,有必要對傳統顏料的礦藏分布、制色方法及使用程式法則做簡單的探究:

1、石色

據分布在我國北方的大量石窟壁畫和道觀壁畫資料分析,天然礦物色的使用十分廣泛,既然天然石色如此名貴,何以大量使用在古代繪畫當中呢?原因是在古代,繪畫充當了宗教崇拜和理想寄托的最佳載體,它以最直觀的圖式承載了人類的最高精神境界與追求。繪畫(特別是宗教壁畫)在人們心目中具有不可替代的神圣地位。其次,古代繪畫(特別是宗教壁畫)的設計制作屬公眾行為,它的投入由政府、公眾、有錢的紳士來解決,所以保證了繪畫的材料投入。官宦人家墓室帛、壁畫的資金投入自不必說。另外,石青、石綠等原材料來源于銅礦石,古代的冶銅技術均以小規模的手工為主,而石青、石綠原材料本身是一種非常純凈誘人的結晶體,所以在開礦、冶煉的過程中很容易分離出(現在的工業開采與現代化的冶煉技術則很容易將這些“寶貝”一同送入煉爐,加上無人識貨,更無人“操此閑心”)。對這些名貴石色礦藏,王定理先生五十年代作過調研。朱砂,主要分布在我國云南、湖南、湖北、四川、貴州、甘肅等省,除了繪畫使用之外,一般作為藥用,所以中藥店能購到此物。石青、石綠在大小銅礦中均有所藏,在國內主要分布在廣東陽春和湖北大冶等,但是礦藏的不同,其品質也有高低之別。

所有石色均有一套細致的研漂方法,其中朱砂色的制作,首先用“淘”的方法除去原料中的雜質;其次用“澄”的方法將研細的原料加入膠水進行一定時間的沉淀,顏料中較輕者浮于上面,較重者沉于下面;在用“飛”的方法將浮在上面較輕的顏料離出⑧ ;如果使顏料更純凈,則講下沉的顏料加水加膠,攪動后,再沉淀,再離出上浮顏料,如此反復幾次,可以將朱砂分為頭朱、二朱、三朱,最輕、且偏暖的顏料則是朱膘。石青、石綠的研制方法與朱砂類似,首先是將原材料除去雜質,然后置入乳缽(現在有小型球蘑機)進行研磨,待研成粉末,且色度變淺時再加水研磨,等到沒有明顯的顆粒時再加入膠水研磨,最后用“漂”的辦法,加入膠水攪動,沉淀,將浮色離出,再攪動沉淀部分,再離出上浮部分,如此反復幾次,可產生頭青、二青、三青,頭綠、二綠、三綠。其他如赭石、石黃等顏料的制法亦如此。

2、水色

所謂水色,既是透明度比較高,大多以植物的花、葉或以某些植物體液為原料。傳統的水色有胭脂、花青、藤黃等色。胭脂除了繪畫之外,是古代婦女化裝用的一種顏料,取材于紅藍花、紫梗和茜草的汁液熬制而成,胭脂色沉穩且有喜慶氣。花青在繪畫中的應用較廣,取材于專門生產靛藍的一種植物,西南少數民族仍用發酵法獲取靛藍,沉淀后加少許膠便成花青,色澤沉穩耐看,包括以水墨為主的文人畫家也喜用此色。藤黃是一種有微毒的中藥,國內原料大約產自我國的西南邊陲,是一種熱帶落葉喬木由樹皮鑿孔,取其黃汁,待干透后變成晶體,用水研磨即可使用,其色澤亮麗,透明度較高。

3、金、銀箔

金、銀箔富麗堂皇的品質,受到古代畫家的青睞,被廣泛應用于人物寫真的服飾等方面。金、銀箔是用真金銀加工錘成,現在的工藝將此設計為十公分見方的箔片,每一百張為一具,按十具為一包計算單位。古代畫家除了人物服飾以外,還用于工筆重彩畫的打底之用,近代畫家任伯年在繪畫中多用此法。金箔的種類按品相和色澤分為紫赤金、庫金、大赤金、田赤金等。銀箔較金箔價值低廉,但很容易被氧化,最終變為黑色,但在氧化的過程中,會產生非常美麗的色彩,巧妙使用,妥善固定,可以在畫面上產生奇妙的效果。

目前,我國的金銀箔生產廠家僅江蘇南京一家而已,生產的種類也僅有金、銀、銅、鋁、錫等數種,而箔的使用范圍則主要集中在寺院、道觀的塑像貼面和民族建筑的裝飾方面。繪畫當中的使用則少之又少。而日本則在繼承我國箔技術的基礎上,已經將種類拓展到幾十種被廣泛應用于繪畫當中。

近年來,中國繪畫界在色彩的拓展方面開始進入了實驗階段,實驗階段的“巖彩畫”雖不算成熟,還完全沒有恢復到民族特色上面,但已經開始在繪畫中嘗試箔等多種材料的介入。箔的使用方法主要有貼金和泥金兩種,貼金就是用專用箔夾將金、銀箔用膠礬水粘貼在所需之處,可以整張貼,也可以根據位置的大小將箔裁剪后再貼。泥金是將金箔用加膠研磨的辦法制成粉末,再調膠當顏料使用,古代的金碧山水畫和工筆人物的服飾等也常常在關鍵的地方用泥金做最后的勾勒,起到了在華麗的基礎上更加富貴的目的。近現代的花鳥畫家也用泥金可以勾描富有裝飾味的花卉翎毛。

4、蛤粉及膠礬

蛤粉及膠礬的正確使用有利于礦物質顏料及其它材料充分發揮其材質本身的魅力。蛤粉(日本稱胡粉)是一種在海灘風化多年的蛤蚌殼經研磨后制成的白色粉末(現代制粉方法簡單,將新蛤蚌殼埋于地下,若干年后取出,亦可研磨),經過加膠特殊調制后,成為繪畫打底用的良好材料,亦可當白色使用,其特點是細膩、潔白,永不褪色,附著力強。除了水墨畫之外的所有繪畫,都離不開膠礬的使用,它的作用是將所有顏料和其他材料牢固的黏附在畫面上。正確的使用,可以充分體現材質本身艷麗明快的特色,反之,損傷材料的本質,使之黯然無光。唐代張彥遠在《歷代名畫記》中對膠的產地和種類有一段記載:“云中之鹿膠,吳中之膠,東阿之牛膠,取其精華,接而用之,百年傳致之膠,十年不剝。”日本繪畫用膠特別講究,膠的品質優于我國。在我國工業明膠和食用明膠均可用于作畫。明礬或稱白礬,是半透明的晶體,味澀,易溶于水,盛產于安徽蘆江。膠礬按一定的比例和方法調制成溶液,廣泛使用于將生紙、絹礬熟、,打底,固色等作畫過程當中。

中國畫傳統顏料的研制和使用方法并非以上言論所能涵蓋,在傳統繪畫中還有很多未曾經傳記載的大量的民間土制顏料和難于用文字表述的多種繪畫技巧。這是本領域研究的富藏區,如果色彩的研究廣泛涉獵民間這個領域,對于延續我國傳統文化,開拓新的色彩前景將有非常重要的意義。

古典畫論中有關于色彩的描述語言生澀且缺乏嚴密的系統性,建立一個比較完整的中國繪畫的色彩體系,必須對傳統文獻做一系統的梳理,在繼承傳統的基礎上,努力開拓更加廣泛的繪畫色彩領域。國內部分高等學校將包括顏料在內的繪畫材料為新的課題進行積極的研究探索,部分像江蘇姜思序等傳統顏料工廠根據時代的發展,努力拓寬視野,借鑒國外的先進經驗,其產品逐漸得到相關畫家們的贊譽,從他們的成就中我們已經體驗到中國繪畫顏料從傳統的延續到未來發展的曙光。

“隨類賦彩”的概念是中西繪畫使用色彩的根本區,中國繪畫中每種色彩的使用都是一種情感的投入,色彩本身的品質將直接關系到作者的意境的表達和作品的審美情趣。所以重視研究傳統色彩在繪畫中的應用將具有十分重要的意義。(責任編輯:楚小慶)

① 李浴《西方美術史綱》,遼寧美術出版社,1984年版,第3頁。

② 李浴《西方美術史綱》,遼寧美術出版社,1984年版,第6頁。

③ 胡偉《繪畫材料的表現藝術》,黑龍江人民美術出版社,2003年版,第10頁。

④ 范瑞華《中國畫向何處去》,國際文化出版公司,2002年版,第27頁。

⑤ 《西漢帛畫》,文物出版社,1972年版,第3頁。

⑥ 王定理《中國畫顏色的運用與制作》,臺北:藝術家出版社,1993年版,第7頁。

⑦ 梅忠智《20世紀花鳥畫藝術論文集》,重慶出版社,2001年版,第481頁。

⑧ 王定理《中國畫顏色的運用與制作》,臺北:藝術家出版社,1993年版,第105頁。

參考文獻:

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